Resumen Historia Del Teatro Argentino 5e222f

Todorov – La conquista de América Las relaciones con el otro se contituyen en relación a tres dimensiones un juicio de valor, el otro es bueno o malo, lo quiero o no lo quiero, es mi igual o es inferior a mi; relación de acercamiento o alejamiento, adopto y me identifico o le impongo mi propia imagen; neutralidad o indiferencia, conozco o ignoro la realidad del otro. La concepción del otro a lo largo de la historia, fue trayendo la guerra y muertes. Según la “regla de homero” los seres humanos se juzgan como los mejores del mundo y estiman que los otros son buenos o malos, según se hallen mas o menos alejados de ellos. Se puede decir que la negativa a rechazarlos sin un examen previo es una cualidad del ser humano. Cientificismo (lo único que cuenta es la universalidad), nacionalismo (las diferencias culturales se perciben como desagradables) y etnocentrismo (no se preocupa mas que de si mismo), son grandes figuras del desconocimiento del otro Quienes llegan a America: militares (espada) y sacerdotes (cruz). Franciscanos o milicos (dominico), después jesuitas que son expulsados de la sociedad por cuestionar el poder de los reyes. Podemos citar dos ejemplos de militares. Gonzalo Guerrero es el ejemplo mas puro de identificación con la sociedad y la cultura de los indios. Tras haber perdido toda su tripulación, adopta todo, lengua, religión, usos y costumbres. Incluso se piensa que no mantuvo esta postura de neutralidad y lucho contra los ejércitos de los conquistadores. Se olvida de su pasado español y cristiano, e imita incluso las apariencias físicas como la costumbre de llevar el pelo largo. Como segundo ejemplo tenemos a Alvar Nueñez Cabeza de Vaca, quien se ve obligado a vivir entre los indios de su misma manera. Los estima y no quiere hacerles daño, y en el caso de haber evangelización debe llevarse a cabo sin violencia. Para sobrevivir se ve obligado a llevar a cabo dos oficios, buhonero o comerciante (compra jarritos de cerámica y los vendia en otra población) y luego chamán o curandero, los indios creían que el y sus compañeros cristianos podían curarlos. Sin embargo su identificación nunca es completa, de hecho son sus oraciones cristianas las que forman parte de sus practicas como curandero, no olvida su propia identidad cultural ni su objetivo, que es reunirse con los suyos. Dos personas de un mismo origen, con dos actitudes distintas que permiten ver cierta dualidad. Con respecto a los sacerdotes, Vasco de Quiorga, franciscano, ofrece un buen ejemplo de asimilación o identificación. Ve a los indios no como lo qwue son sino como lo que el quiera que fueran. Lejos de la perfeccion será el quien buscando la idealización y la transformación, busque una sociedad ideal. Sin servidores y con trabajo obligatorio tanto para mujeres como para hombres (max 6 hs), dividiendo las ganancias equitativamente, cuidados médicos y aprendizaje gratuitos y obligatorios, su unidad social de base es la familia extendida, bajo las ordenes de un padre de familia que elige a su vez al jefe de la aldea. Diego de Gamba, franciscano, tiene en un principio una actitud de rechazo hacia lo que encuentra en la cultura de los mayas, no aceptaba a quienes no fueran catolicos y luego empieza a investigarla. Asi descubre que según las alturas de las consechas obtienen distintos tipos de maíz. Observan sus virtudes. Por otro lado Diego Duran, “mestizo cultural”, es español pero llega a vivir a Mexico a los seis años, por lo tanto recibe una formación local, logra interpretar a los aborígenes y comprenderlos desde el interior de su cultura. Sostiene que para poder imponer la religión cristiana hay que extirpar la religión pagana, y para hacerlo primero hay que conocerlo bien. Otros ejemplos son Bernardino de Sahagún, franciscano, que a pesar de llegar a Mexico de adulto se lo considera mas fiel que Durán. Convoco a 12 ancianos y entendio que manejaban los dibujos como idioma. Los interpretaba y los traducía. Ejemplos de otredad a lo largo de la historia: En 1810 el criollo // el que defiende a España En época de rosas federales // unitarios 1

Moreira moreinistas // antimoreinistas Finales de siglo XIX principios del XX locales // inmigrantes (sainete) Decada del ´30 teatro comercial // teatro independiente Teatro realista // teatro de vanguardia En la dictadura aparece el teatro metaforico para evitar la censura

“El gigante amapolas” – Alberdi La obra de Alberdi es de 1841, segundo periodo del gobierno de Rosas. Los dos periodos de su gobierno fueron 1829-1832, 1835-1852. Este federal aparece en el gobierno, luego de derrotar a Lavalle, como “el restaurador”. Inicia su presidencia en un clima de insurrecion, luego de la guerra contra el Brasil del 1852-1828. No acepta su reelección porque no le dan las facultades extraordinarias. Despues de la campaña del desierto, o campaña contra el indio que (1833-1834), asesinan a Quiroga en 1835, y le otorgan finalmente el poder legislativo, ejecutivo y judicial. Durante su segunda presidencia derrota a unitarios, firma la paz con Francia, y en 1852, tras perder contra el “ejercito grande” liderado por Urquiza, en la batalla de caseros, es derrotado. El gigante Amapolas – 1841, se estrena 104 años después. Literatura del excilio. Con respecto al titulo podemos intuir la relación que hay entre sus palabras y el presidente de la época. Tanto por la relación de la palabra “amapolas” que se trata de una flor, al igual que Rosas, y podemos decir que la palabra “gigante” refiere a la construcción del poder que tuvo Rosas durante sus gobiernos. El centinela hace referencia a esto cuando dice “..puede uno ser el gigante de paja, y con solo estarse quieto, vencerlos a cada instante..” Referencias a Rosas. En principio se lo describe como “Un gigante de tres varas, con un puñal de hoja de lata, de dimensión enorme, bañado en sangre”. El centinela se refiere como “héroe de paja” “gigante de paja”. En un momento se le hace referencia literal a Rosas cuando Maria dice “Por eso hay francés que se reputaría dichoso si poseyese un botón de la casaca del gigante Rosas” a lo que tambor le responde “Amapolas, di” Elementos de humor: debilidades de los atacantes de Rosas ; al entrar el oficial de guardia, tambor demuestra preocupación por la falta de sus palillos, su mujer se las saco, y confiesa que fue por culta de una baña de cañon, cuando todavía no habían tirado cañonazos; La indecisión del ejercito enemigo para eleir al jefe: Mentirola “Pues bien, mande usted jefe la primera hora, y yo la segunda..” Imposibilidad de encontrar la forma de derrocar a Rosas. No pueden determinar la manera de accionar frente a los federales. Ejemplos: El centinela aclara que son “cuatro gatos, estamos maniatados”. La debilidad del ejercito opositor al gigante, se evidencia cuando Maria dice “No hay general, porque ninguno quiere ser subalterno..” y cuando le responder a tambor, que traen tres banderas (hay división en el ejercito atacante) “Eso es; traen tres escarapelas y tres divisas y tres causas se puede decir. De modo que en lugar de ser un solo ejercito como son ustedes, se puede decir que son tres ejércitos enteros y verdaderos..” En el momento en que deciden formarse en hileras para ir al ataque. Mentirola: “Formarse en hileras de fondo, para que si el Gigante nos hace un corte seis con su sable, no caiga mas cabeza del que va adelante” “Se forman, pero nadie quiere quedar el primero de adelante” La inmovilidad también genera comicidad: Mentirola “Que tal? Que movimientos hace?” “Ninguno señor, inmóvil como si fuese de palo” “Como un tronco..” El ejercito se retira con precipitación “la situación es grave”.. dice Mentirola. 2

Monologo de mentirola: Evidencia una triple personalidad. Habla en lugar suyo y también en lugar de Mosquito y Guitarra “Estoy tan acostumbrado a discutir este consejo con mis compañeros Mosquito y Guitarra, que yo por mi solo no puedo discurrir nada.. no se me ocurre una sola idea, y no se que consejo darme a mi mismo”. Hay comicidad en esa toma de voz, Mentirola se posiciona físicamente en el lugar del otro para seguir hablando “Toma el lugar y el tono de este”.. Hacia el final vemos la voz de Alberdi, que representa la voz popular. Quien destruye al giganteamapolas y concluye diciendo “Yo no soy grande ni glorioso porque ninguna gloria hay en ser vencedor de gigantes de paja. Yo he tenido el buen sentido del pueblo…”

De la colonia a la época de Rosas El teatro en el Rio de la Plata desde sus primeras manifestaciones en el periodo colonial hasta el transcurso del XIX estuvo ligado a acontecimiento políticos, que al generar cambios políticos generaron también cambios estéticos. El teatro en el periodo colonial: la creación del virreinato de la plata (1776) significo la constitución de una organización política, económica y cultural que funcionaba como espejo de lo que acontecia en España. A partir del virreinato de Juan Jose Vertiz y Salcedo el teatro se presento como un factor de entretenimiento social. Hasta ese momento los entretenimientos eran las corridas de toros, las riñas de gallos, el juego del pato y el circo. Se representaban autores Españoles: Lope de Vega, Calderon de la Barca. Vertiz impulsa la creación de la casa de comedias en Buenos Aires, como iba a llevar un tiempo autoriza un espacio provisorio “teatro de la ranchería”. Vertiz prohíbe ciertas obras a reprensentarse, y toma medidas como: separación de publico por generos, vestimenta, no mostrar pies de actrices. En 1972 se incendia la ranchería, pero durante sus nueve años el repertorio se amplio de manera sustancial: dramaturgia española, tragedias, comedias de la ilustración, melodramas ses, etc. Se organizaban en compañías dentro de las cuales había cierta jerarquía. En 1804, durante el virreinato de Del Pino, se inagura el coliseo provisional. El teatro de mayo a partir de 1810 aparecen piezas que pretenden difundir y afianzar el camino hacia la futura independencia. El repertorio español es rechazado y el preferido a partir de entonces será el francés. El teatro a partir de la independencia Aparece la “sociedad del buen gusto del teatro” integrada por jóvenes intelectuales que rechazan el teatro español, aceptan a Shakespare, Moliere, Voltaire. Promueven la escritura de locales, aparece Cornelia Bororquia haciendo una critica a la inquisision. Se destaca Morante. Los años veinte EN 1821 con Bernardino Rivadavia como ministro de gobierno se compra el Teatro Provisional (hasta entonces en manos privadas) y proyectan una escuela de declamación y acción escénica y la reactivación de las obras del coliseo. Varios empresarios intentaron gestionarlo, termino pasando a manos privada. Rivadavia impulso la producción local y la llamo “teatro nacional”. Se destaca como actor en esta época Juan Jose de los Santos Casacuberta. El teatro durante el rosismo En 1838 se contruye el teatro de la Victoria. Se destaca por el color rojo y el lema “viva la federación”, se instala como competencia del coliseo provisional cuyos actores eran de ideología unitaria y que cambia su nombre al de teatro argentino. Con la muerte de Casacuberta y Trinidad Guevara termina un periodo fundamental de actores criollos, actores nacionales desaparecen por décadas, compañías extranjeras ocupan su lugar. Como llega el Iluminismo al Rio de la Plata?

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1776 es la creación del virreinato de la plata. Desde España se impulsan reformas económicas, istrativas e ideológicas, dentro de ellas la filosofía de la ilustración. Se inicia un proceso de modernización. Avance del conocimiento “progreso”, nueva nocion de temporalidad, desarrollo lineal, homogéneo, continuo, acumulativo, son rupturas, incremento del saber, la justicia, la bondad, la felicidad. “las luces de la razón contra las tinieblas de la ignorancia”. El despotismo ilustrado es esta política que acentua las tendencias centralizadoras del absolutismo apuesta a una modernización desde arriba. El carácter esta centrado en el raciocinio y la experimentación, pero con limites estrictos sobre el terreno religioso. Para poder controlar los territorios coloniales la colonia contituye el virreinato del rio de la plata, lo que produce crecimiento económico. La ilustración americana es producto de una corriente intelectual y una decisión política adoptadas por la metrópoli, es un movimiento limitado a la modernización cultural.

Juan Moreira – Gutiérrez – Podestá El circo en Buenos Aires: Durante la colonia se registran actividades de volantineros hacia el 1786, dado que su repertorio se agotaba rápidamente, estaban constantemente de gira. Lo mismo ocurria con las temporadas circenes que fueron escasas hasta 1830, recién entonces con el aumento de población urbana pueden instalarse circos grandes. Durante la década del 20, además de obras teatrales, operas, bailes, títeres, ilusiones ópticas y números circenses aparecen la opera italiana y las operetas bufas, Rosquellas estrena en 1825. En 1829 desaparecen las temporadas de ópera por 15 años. El baile, espectáculos de feria, confluyen el panorama de Buenos Aires. En el 21 se instala el circo Bradley, primer circo olímpico. Se realizaban festejos patrióticos y, por otro lado, comparsas, donde los negros organizaban candombes, organizándose según su lugar de origen. Durante la época de Rosas se estabiliza el circo, debido a la afluencia de publico popular y la llegada de compañías circenes extranjeras. Hacia 1842 el circo comenzó a incluir representaciones dramáticas, luego sainetes criollos y mas tarde dramas y comedias. Los circos criollos tenían dos portes, de diciplinas propias del circo, y pequeñas obras de teatro breves y de humor, donde se hace el Juan Moreira. Despues de Caseros el circo mantiene su actividad, en los años sucesivos, hasta llegar a la compañía de los Podesta, se presentan numerosas compañías o artistas individuales, y se multiplican los espacios para estas exhibiciones. En la familia Podesta eran 9 hermanos, Pepe Podesta, quien inicia la aproximación al circo, nace en Montevideo en 1858. El éxito mas grande lo alcanzan cuando interpretan la pantomima (sin texto) de Juan Moreira en 1884. Alfredo Cattaneo junto con Eduardo Gutierrez (el autor), decidieron representar el juan Moreira en patomima, para eso necesitaban un hombre criollo, que supiera montar bien a caballo, que accionara, cantara, bailara y tocara la guitarra, un “gaucho”. Pensaron en Pepe Podesta, quien hacia en ese entonces el payaso “Pepino 88”. Luego se asocian a Scotti y salen de gira por Buenos Aires y estrenan en 1886 el drama Moreira en Chivilcoy. Juan Moreira se convierte en un héroe popular, con una estética del rompanticismo, busca conmover al espectador, predominando el sentimiento por sobre la razón. El moreinismo empieza a considerarse en cotra del gobierno de Roca, pero termina siendo un hecho fundacional del teatro Argentino: el autor contruye un héroe popular, hay acotres capaces de representarlo, se da en el espacio del circo, el publico adhiere y la critica que aparece lo legitima. Con el paso de los años es aceptado por las clases dirigentes (Carlos Pellegrini) y se considera como representante de la identidad nacional. Moreira, “dotado de un alma fuerte un corazón generoso”, “educado y bien dirigido” hasta los 30 fue un hombre trabajador y generalmente apreciado en el partido de Matanzas, donde habito hasta aquella edad, cuidando ovejas y animales vacunos, que constituían una pequeña fortuna. Viavia casado con una paisanita con quien tenia un hijito que constituia toda la aspiración y todo su haber en el mundo. “No había en su semblante una sola línea innoble” 34 4

años. El gaucho esta privado de todos los derechos del ciudadano y del hombre, sobre su cabeza el sable levantado del comandante militar, ve para si cerrados todos los caminos del honor y el trabajo. “El gaucho viene a ser una paria en su propia tierra”. Marcha a la frontera, eviado por vago (no encuentra trabajo), o por falta de papeleta, sufre dos años la desnudez, el hambre y los horribles tratos de un cuerpo de línea. Cuando vuelve a su pago le espera la desventura, el dolor y la vergüenza. El alcalde teme que el gaucho venga a cobrarle con su puñal la cuenta de sus desventuras, y quiere deshacerse de el. Por eso Moreira tiene que vivir huyendo, matar defendiendo su cabeza. Su amigo era Julian Andrade (le pasaba datos de como estaba su familia). Se enfrenta con Varela y sus comandantes, siempre sonriente y con el pecho levantado, lleno de orgullo, le dice a arela “Cobarde, a hombres como yo no se les hiere por la espalda! No podes negar que sos Justicia!”. Muere como un héroe, “..un tejido enorme de cicatrices que lo cruzaban en todas las direcciones, heridas cuya existencia no se había conocido nunca, porque el altivo paisano cuando las recibia, iba a curárselas donde nadie pudiera verlas”. Tambien es engañado por Gimenez, quien engaña a Vicenta su mujer, de que su marido Moreira había muerto y se queda con ella. Moreira llega y Vicenta pide que la mate, que ella creia que el estaba muerto y había hecho eso para salir de la situación para que su hijo no muriera de hambre. El saluda a su hijo, y se va. La justicia y el honor son los que mas lo golpearon.

Campo intelectual Centenario. Florencio Sánchez, “La Gringa” En 1783 abre el primer teatro estatal “La ranchería”. En 1913 se abre la universidad de cordoba, la docta cordoba, y en 1821 (dos siglos después), la UBA. Entre los años 1868 y 1874 correspondientes a la presidencia de Sarmiento, el proyecto de país respondia al de la educación publica y gratuita. Sin embargo su discurso rechazaba los pueblos originarios, creyendo que eran quienes querían quedarse con los territorios, veía la inmigración como un medio para “poblar el desierto” y de borrar los habitos que se identificaban con el caudillismo y la barbarie rural. En 1880 con la corriente inmigratoria se pueblan esos territorios con un 60% de inmigración Italia, un 30% de españoles y un 10% de judíos. Todos llegan con su cultura, los italianos llegan perseguidos por las corrientes anarquistas que habitaban su territorio, los gauchos judíos se instalan en Basavilbaso escapándole a la guerra y la discriminación. No solo se llenaba de extranjeros el espacio social sino que la amplitud y la configuración del mismo espacio cambiaba. Estos cambios también introdujeron las tensiones, los conflictos y el tipo de lucha de clases del mundo capitalista: la protesta obrera, el anarquismo y el socialismo. Hacia 1910, entonces, la cuestión de la identidad nacional se encuentra entretejida con esta nueva realidad. Con el acelerado proceso de urbanización de Roca, la gran propiedad terrateniente y el imperialismo británico de la generación del 80 arrojaban hacia los primeros años del siglo sus consecuencias y reacciones: principalmente la sucitada en torno a la identidad nacional. Durante la época del centenario un nuevo fenómeno es el de ideologías del artista. La función de escritor adquiere perfiles profesionales. En el siglo XX existe el reconocimiento académico, textos, poesías, fueron incorporados a los programas de la universidad. Lo que le da la posibilidad de reconocimiento al autor, por ser publicado. Se diferencian entonces del “gentelman escritor” que poseía cigarros y ratos de ocio. Aparecen las reivindicaciones corporativas: defensa de las editoriales argentinas, de los derechos de autor, de los derechos del periodista profesional, fundación de una sociedad de escritores y de una casa del escritor.. etc. Este proceso parece estar en 1910 dando su impulso decisivo. Varios escritores se ganaban la vida como periodistas. La vida literaria va tomando sus habitos caracteristicos, la bohemia, los cafés literarios, las comidas y conferencias que aparecen como una nueva forma de comunicación cultural. La actividad literaria se piensa entonces como un programa de vida. Para estos hombres, lo criollo que la generación del 80 habia connotado despectivamente de lo primitivo, elemental, empezó a ser lo pintoresco, el gaucho, el desierto 5

y la carreta son los símbolos con los que se trama una tradición nacional que el “progreso” amenaza con disolver. Podemos decir entonces, que tenemos dos corrientes que podemos diferenciar dentro de los intelectuales. A un sector de marcada tendencia estetizante le interesaba que se exhibiese una calidad análoga a la de los europeos, eso fue el modernismo. Por otro lado, la acentuación de lo peculiar como logro de un arte nacional fue otra vertiente, la novela realista, el criollismo, el nativismo y el populismo. Según Viñas, Sanchez participa de las dos. Florencio Sánchez es un autor Rioplatense que nacio en 1875 embanderado con el partido blanco, un poco mas popular que el partido colorado referente de elite. Vive en Rosario y también en la plata. Trabaja como periodista en el diario “El país”. En Buenos Aires al haber mas publico y mas teatro consigue mas posibilidades de vivir como dramaturgo. Su primer éxito es “Mi hijo el Dotor”. Piensa en triunfar, casarse, hacer su “nidito. Joaquin de Vedia distingue cinco movimientos en su proceso de creación: 1) observa: no hablaba de si mismo, se paseaba por los barrios populares y miraba, siempre hacia afuera. 2) fijaba lo visto, con sus ojos neutrales acumulaba datos, no se le escapaba un solo detalle. 3) reflecciona: los datos de afuera lo colman 4) empieza a escribir, rapto, inspiración, deja fluir las palabras, eyaculación literaria 5) requiere testigos. Lo caracteriza la esponteaneidad. Su teatro ocupa un lugar destacado en la literatura argentina y en el proceso de teatro rioplatense, señalado protagonista de la “época de oro”, de los primeros años del s XX. El panorama teatral en el momento de su irrupción se basaba en representaciones de piezas extranjeras en su idioma original, dramas y comedias de autores locales de la estética del romanticismo tardío y piezas gauchescas continuadoras del modelo iniciado por juan Moreira. Estas eran insuficientes para concretar la formula que convinara la exposición verosímil de tipos humanos y las problemáticas del mundo social, que contribuyeran a la construcción de la “identidad nacional”. Mi hijo el dotor, de recepción inmediata, contribuye al reclamo urgente de una dramaturgia que aporte a la construcción de la identidad nacional, en un registro culto y en franca oposición al teatro gauchesco. Eso explica la expetativa que se generaba a su alrededor, que la obra llegara a la compañía de los hermanos Podestá. La obra se coloco en el centro de una estética que se considero agotada y una emergente “la realista”. Aunque no se puede decir que en Sanchez el realismo, y en algunos casos el naturalismo, no siguen todas las reglas de sus formulaciones mas ortodoxas, aparecen relativizados por el empleo de artificios provenientes de otras convenciones teatrales, como el melodrama. Se lo llama autor de tesis, o teatro de tesis porque el punto de vista privilegiado que sustenta con claridad la tesis, mediante la identificación con el personaje positivo, se disuelve en la multiplicidad de voces que estallan instalando un conflicto. Por ejemplo en “Los muertos” de 1904, una mujer se separa del marido y se levanta a un tipo que la mantiene. El marido sigue llendo a visitar a su hijo. Mata al nuevo hombre de la mujer. La tesis seria que si una persona es débil, cae en el vicio (bebida) un paso después tiene como consecuencia el crimen. Es decir que el vicio lo conduce a algo peor. Propone una reacción en cadena. Plantea las mujeres como maestras, obreras de fabrica, empleadas domesticas o prostitutas. Pone en escena voces de tipo sociales que hsata ese momento solo habían participado en forma secundaria. Incluye también nuevos ambientes, situaciones y conflictos. En los tramos inagurales de su producción los portadores del punto de vista privilegiado son las criadas, costureras, campesinos y trabajadores, hombres amenazados por el desempleo, la miseria o la perdida de honor.

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La gringa: La mas conciliadora de sus piezas de tesis es la gringa, por la solución ficcional que propone mediante el casamiento de la hija del inmigrante y la hija del criollo, la cuestión de la integración nacional. Vemos en la obra un deseo de elevar al espectador. La griga se enamora de un mestizo, a quien consideraríamos como la otredad, sin embargo de su unión nace el hijo mestizo. Con las virtudes de ambos y sin defectos, la nueva raza que conformara la argentina del futuro. Hay dos miradas claramente marcadas, la de los gringos, quienes enseñaban la cultura del trabajo, y sus hijas sirven a los peones. Tienen excesivo amor por el trabajo y el ahorro. Y la de los peones, que ven a los gringos como cretinos por hacer trabajar a sus hijas. Don catalicio y los criollos se aferran a las costumbres de la vida rural y a las costumbres locales. Rechazan la influencia extranjera y la labor agrícola. Horacio se va a estudiar a Rosario, progresista. Prospero y la gringa dan un mestizo. Hay presencia de tonada piamontesca. La acción sucede en invierno. Y las didascalias nos permiten ver que la acción sucede en una chacra caída que va “creciendo” a lo largo de la obra para desgracia de Don Catalicio. La obra esta dividida en cuatro actos.

Sainete y grotesco Ante la desenfrenada inmigración a partir del 1880 hasta el 1910 se producen cambios en el desarrollo teatral. Hay dos miradas frente a las trasformaciones del país con los procedentes de Europa, frente a los proyectos fallidos de quedarse en el interior y progresar ahí  la cara del sainete, mas feliz, y la cara del grotesco, mas sórdida. Voy a empezar diferenciando estas dos corrientes para luego explicar “El conventillo de la Paloma” a partir del sainete, y “Stefano” de Discépolo a partir del grotesco SAINETE: fluidez interna, presupone una abstención sobre lo que describe, esa facilidad al convertirse en técnica, implica el consentimiento del costumbrismo. Dialogo externo. Coloquio resuelto “cara a cara”. Agitada exhibición. Patio como escenografía habitual o fabrica o taller con luz solar. Hay “frentes” en la escenografía, la gente se asoma. Personajes apelan al himno o al sermón. Entonación comunitaria. Énfasis en los componentes sociales, grupales. Lo coporal es dinamico. Lo gestual: narizota, pelucones, maquillaje estentóreo, euforia. La arquitectura escencial formulado por Vacarezza “Un patio de conventillo, un italiano encargao, un yoyega retobao, un percanta, un vivillo, dos malevos de cuchillo, un chamuyo, una pasión, choques, celos discusión, desafio, puñalada, aspamento, disparada, auxilio, cana..telon” Los tres momentos clásicos del planteo, nudo y desenlace. Expone a sus personajes. Heroísmo de los protagonistas. Sus etapas: - 1890-1910: social, político, critica a lo social, no siempre tiene “final feliz”ej “los disfrazados” – 1920-1930: pura fiesta, mas inocente y festivo ej “el conventillo de la paloma” -1930 decadencia. GROTESCO: es la interiorización del sainete. El lenguaje no supone fluidez ni cabalgata, lo genérico del sainete se ca cuarteando y opone, particulariza, condensa y aisla. El otro pasa a ser opacidad y contratiempo, no solo por la nacionalidad sino también generacionalmente. Las particularidades aumentan, se encarnizan y agravan. El lenguaje es dificultad y torpeza, la comunicación de las palabras se altera, hablar con el otro demuestra fracaso. Alude a una denuncia sorda de la unidad social, dice lo que el proceso inmigratorio no formula por ser “un sufrimiento sin voz”. Monologos sombríos, que tienen el tono de quien lee en voz alta su diario intimo. Encogimiento del personaje que “da la espalda”. Disimulo, cautela. Habitacion interior como escenografía o sotano para criados con luz de tinieblas. Hay fondos en la escenografía, la gente se hunde. Hay menos transparencia, hay frivolidad, palidez y culpa. Muestran el malestar actual, en climas pesados, asfixiantes, donde nadie se divierte sino que se acumula. Rencor y dinero se superponen como garantiaa, inmovilidad creciente y aburrimiento. Autobiografismo de los personajes: instrospeccion, se confiesan, 7

excepcionalmente comulgan. Acentuación de lo individual y en la interiorización. Intimismo, marginalidad. Lo coporal es pesantez y apaciguamiento, torpeza, su propio cuerpo los englute, se dejan estar, se desinteresan, no hacen nada. Depresion, las referencias al sexo se abstienen. Los tres momentos clásicos se tornan en aspracion proecto y fracaso. Sus personajes, (discepolo), al sustraelos en la penumbra, les otorga una latitud ambivalente donde su interioridad concluye en la paradoja.

“El conventillo de la Paloma”, de Alberto Vacarezza Hablar de SAINETE. Vacarezza 1886-1956, Almagro. Escribe sainete criollo, sainete “pura fiesta”. En 1911 gana un concurso con “los escrullantes” y se inserta asi en el panorama teatral argentino. Lo caracteriza su riqueza en lenguaje. El conventillo de la paloma se estrena en 1928 (durante el gobierno de Yrigoyen), con mas de 1000 reproducciones durante ese año. 1936 leopoldo torres ríos dirige esta película. En esta obra se evidencia la formula del sainete: Patio de conventillo (espacio abierto que permite el cruce social) un italiano encargado, un yoyego retobado, una percanta, un vinillo (el conflicto).. puñalada (nudo).. telón. Se evidencia una valorización del barrio, villa crespo recita dejando ver lo afectivo de su personaje hacia el barrio ligado a su identidad. El lenguaje es coloquial, habla cotidiana de zonas urbanas; es variado: hay variaciones e invenciones en el lenguaje, se evidencian las distintas jergas o ideolectos: napolitanos, andaluces, gallegos, etc. Uso de lenguas inventadas, por ejemplo el personaje del conejo que habla con apellidos. Rimas y citas. Las diferencias entre los ideolectos y el cocoliche (tano acriollado) genera malos entendidos y chistes. Ejemplo de comicidad en el lenüaje: Miguel: “Antonce me dira en que la puedo serviré, doña Maria Mundiño de las Nalgas del ternero?” Mariquiña: “(corrige) De las Canjas del Tineo!..” Los personajes son tipos esquemáticos, con características propias y fijas. Incluyendo características físicas, psicológicas de expresión y vestuario. Los gallejos por ejemplo, están caracterizados con cejas gruesas, y el italiano cumple el papel de encargado. El conflicto es princinpalmente de tipo sentimental, puede además incluir un conflicto social, pero el eje principal es de encuentro y desencuentro entre los personajes y paloma, con villa crespo y paseo de julio. Hay dialogo fluido, el malentendido es un recurso de comicidad, la comunicación es transparente. La obra esta dividida en un prologo y tres cuados. La división de los cuadros es simple. En el cuadro uno vemos el conflicto que genera la llegada de paloma al conventillo. Y la división en dos grupos: el de mujeres y de hombres. (la diferencia entre estos dos grupos es que los hombres pelean entre si, mientras que las mujeres son solidarias y reclaman un triunfo grupal). Por otro lado Don miguel. Plan de villa crespo. En el segundo cuadro vemos las declaraciones de amor y en el tercer cuadro es la fiesta por los diez años del conventillo, nucleo central de comunicación, donde tienen lugar las transformaciones mencionadas. Hay un triangulo amoroso entre Paloma, Paseo de Julio (el atorrante) y Villa Crespo. Hacia el final triunfa el amor de villa crespo y paloma, lo que deja ver que la obra tiene cierta actitud moralizante, Villa crespo no permite que maltraten a una mujer. Todas vuelven con sus maridos una vez que villla crespo la conquista. Estudio preliminar al conventillo de la paloma 8

El teatro y la sociedad Argentinos a partir de 1880. Es necesario destacar a la inmigración como factor de enorme influencia para el desarrollo teatral. Inmigrantes españoles e italianos y en menor medida, turcos, rusos y ses llegan a Buenos Aires y al no poder establecerse en el interior permanecen en la ciudad, por lo que la población extranjera va a superar la nativa. El teatro registra los cambios de manera instantánea, convirtiéndose en un factor no solo de entretenimiento sino también de autoconocimiento. El circo y el drama gauchesco se instalan a partir del Juan Moreira, fundando el teatro poular. Otra de las formas teatrales que por esta época cobra vigor son las obras del genero chico español, no es otra cosa q el popular y tradicional sainete pero independizado de la comedia. Tras el afianzamiento de compañías españolas que se afianzan en Argentina con un repertorio de escritores argentinos surgen dramaturgos nativos que lo producen siguiendo el modelo español. “El año 92” de Soria. El sainete como corpus integrador de componentes diversos en cuyo genero se distinguen rasgos teatrales del circo y el genero chico. Es un proceso de coexistencia de varios generos dramáticos, gran cantidad de dramaturgos, compañías de interpretes que surgen aceleradamente, apertura de nuevas salas y aparición de empresarios teatrales q consideraron rentable este movimiento. Lo cual deriva en el perfeccionamiento actoral, y la producción autoral impulsada por concursos. Se institucionalizan, se organizan gremialmente. Dentro de este contexto Vacarezza es de gran importancia. De “el conventillo de la paloma” hay mil representaciones consecutivas en un año, se convierte en el mayor éxito de la historia de la sala del Teatro nacional Cervantes 1980-1981. A pesar de las renoviaciones de la escena que plasmaban el Grotesco, y otro genero que ya había dado frutos interesantes como la comedia costumbrista y familiar, Vacarezza escribe el conventillo de la paloma en durante la decadencia del sainete, y la aparición de estas otras corrientes. Escribio también dramas en tres actos, comedias, piezas de carácter histórico, romances y leyendas, zarzuelas, revistas, etc. El nexo que une a sus obras es el carácter de fiesta que la define. Este rasgo festivo tiene sus antecedentes en los sainetes y comedias del periodo colonial y principalmente en el Juan Moreira. El sainete de Vacarezza recupera la característica de pieza distensora y festiva con que fue gestado el genero chico español, donde hay juego, humor, registro costumbrista, baile y canto. Nuestro sainete desarrolla en mayor medida la trama argumental. Vacarezza pone en un lugar relevante lo comunitario, la participación gupal, y que suponen un código compartido entre el autor y el publico. El nucleo de la obra es el baile, donde reunidos todos los personajes, se retoma el espíritu festivo del teatro. Decimos, que se pueden lograr diferentes y variadas versiones a paritr del recurso de los apellidos del personaje “el conejo” que permiten renovar la comunicación con el publico. El objetivo de su producción entonces era la comunicación con el publico, se dirige a públicos masivos, expresa con sencillez la vida cotidiana del hombre común y el transcurrir de su vida. Concibe la vida como una manera de conocer, como un proceso aleccionador y permanente, como único camino común de los hombres, que comparten entre ellos. Considera que el teatro necesita “de la experiencia y la observación”. La calle para el tenia un atractivo orresistible. Todas las esquinas del barrio de Almagro le eran familiares. En sus obras hay una realidad observada o sentida, recreada e imaginada y una captación de las conductas, los almbientes y los valores de los hombres comunes. Considera que lo que le da sentido a las formas de expresión del hombre es el sentimiento, entendido como nucleo básico de la personalidad y expresión de afecto. Valorizacion del hombrem rescata valores como el amor, la amistad, la fe cristiana. Por ende, y la valorización del barrio, expresada por Villa Crespo (ostenta como nombre propio el de su barrio). Variedad e invenciones del lenguaje. Los grupos mas diferenciados son la lengua coloquial (el habla cotidiana de los habitantes de zonas urbanas o rurales que puede incluir criollismos o modismos zonales) y el las jergas (las de diversos extranjeros, cocoliches). Dentro de los juegos de invención que hace con el lenguaje encontramos algunos ejemplos: metátesis (cambio del orden de los sonidos o las letras), lenguas inventadas o muletillas dentro de las 9

cuales se encuentra el calambur propia de el conejo. También la jerga de Seriola que agrega las silabas –iola. Los juegos de remedo, imitaciones de distintas escuelas o modas poeticas y de retoricas de grupos determinados, un juego inocente de tinte ironico. Tambien experimenta con rima. Tambien el cambio súbito de discurso de un personaje ante la visión de un rival. Las declaraciones de amor también dan pie a las mas originales variantes del lenguaje. En las obras de Vacarezza el concepto de bondad o maldad trasciende la nacionalidad. Personajes: La paloma (mujer con pasado escabroso, buena, humilde, firme y con deseos de regenerarse), Villa Crespo (compadre bueno, rol moralizador. Valiente), Paseo de Julio (el reverso de villa crespo, cobarde, pendenciero, irrespetuoso de la voluntad de la mujer, exagerado encono). Los pretendientes en general son temerosos, parlanchines, pelean verbalmente entre ellos pero no acuden en el momento de la defincion. Don Miguel, no tiene pareja, es el encargado, tiene trato con todos y es quien prepara la fiesta. De los pretendientes es el único que tiene un sentimiento verdadero hacia Paloma. Las mujeres, ligadas entre si mas fuerte que los hombres, tienen q estarlo para triunfar. Su rivalidad con paloma no es excesiva, y su rencor va mas alla de la persona de Paloma. El conejo, trasciende por su lenguaje, introduce a paseo de julio, lo que posibilita el conflicto, y trae a los músicos, con lo que se inicia la fiesta. Comicidad con Don Miguel.

Stéfano – Armando Discépolo Hablar de GROTESCO. Se escribe y estrena en 1928 por la compañía de Luis Arata, en el Teatro Cómico, de Buenos Aires. Esta formada por un acto y un epilogo, y entre medio de ellos se produce una elipsis temporal. Se pueden diferenciar claramente tres generaciones: Los padres de Stéfano, Maria Rosa y Don Alfonso, Stéfano, italiano, y sus hijos criollos, Radames, Margarita y Esteban. El conflicto se centra en Stéfano.

Las didascalias a partir de sus amplias descripciones permiten ver un ambiente de pobreza. De hecho comienza con la frase “Stéfano habita una vieja casa de barrio pobre”. Tambien presentan una buena descripción de los personajes. Don Alfonso: “… tiene el color terroso, el cabello al rape, grandes cejas enmarañadas y fruncidas, la boca despreciativa. Cuando no bambolea la cabeza, como negando, la apoya sobre un hombro, como resistiéndose tercamente a una orden que le disgustase. Usa sombrero blando, desforme; saco estrecho, camisa sin corbata, pantalones duros, faja, botin recio y cadena de bronce con dijes. Es de poca talla, de brazos largos manos sarmentosas…”. Stéfano “Stéfano es alto, fornido, pero esta en plena decadencia física. Agacha ya los hombros y carga el andar en las rodillas. Tiene las mejillas fláccidas y el cuello flaco, con magrura de sufrimiento; la frente amplia deprimida en las sientes. Al echar hacia atrás los cabellos ondulados que le blanquean, su ademan asegura que los tuvo abundantes. La embocadura del trombón le ha deformado el centro de su labio de bigotes castaños. Sus manos son amables, elegantes, virtuosas. Usa anillo de piedra obscura en el anular izquierdo. Serio, parece que llorara, y al sonreir – que sonríe fácilmente hasta cuando va a llorar – sus ojos de párpados pesados se agrandan expresivos, socarrones. No es débil y se le ve que control lo domina al soportar una injusticia o una desgracia. Apasionado, es demedido y en la ira debe ser feroz…”

La imagen física de los personajes, señalada en las acotaciones o por los parlamentos de los otros personajes, nos revela desde el mismo inicio una galería de míseras figuras, sino muñecos, si muy cercanas al esperpento en todos sus detalles, de Maria Rosa, madre de Stéfano sabemos que: “Es magra, enhiesta… el cabello es ralo, gris, sucio. Viste de oscuro… calza viejas botas de Stéfano, orejudas. Sus manos flacas, duras, fuertes, inquietas. …Cuando anda simula sufrir…” Y así con los demás personajes: Alfonso el padre, “Parece un fantasma”, Margarita “…debe haber sido bellísima…” 10

pero aparece “Despeinada, mal vestida, afanada y deshecha…”, y Ñeca, la única hija mujer, siempre “…llorando…”. Sólo Esteban, la continuación generacional de Stéfano, es presentado como alguien un poco más sobrio pero completamente ambiguo: “Traje negro, chambergo, corbata de moño. Es buen mozo, de cutis marfileño; lento, triste, severo, seguro de sí mismo.” Por su parte, Stéfano “…es alto, fornido, pero está en plena decadencia física. Agacha ya los hombros y carga el andar en las rodillas... Serio, parece que llorara... No es débil y se le ve qué control lo domina la soportar una injusticia o una desgracia… En la soledad decae con tristeza aplastente… Debe haber caminado mucho, solo, ajeno a todo…” Vemos también la animalización, que es propia del grotesco. Esta característica la vemos hacia el final de la obra. Stéfano “yo soy una cabra.. mee.. me e e..e… uh…cuanta salsa… como sube… una cabra.. que cosa.. me estoy muriendo (pone la cara en el suelo) me..e..e.. (muere). Tambien vemos este aspecto corporal pesado y torpe del que habla anteriormente en la escena final “Esteban se ve apresurado. No puede erguir la cabeza; su peso lo turba; cae de bruces, con las rodillas en el suelo. Se hace daño, adentro. No puede sacar un pie enganchado a una pata de la mesa. Sonríe.” Sucede en un espacio interior, una habitación. Presencia de metáforas: “la ostra” como una manera de mostrar alguien encerrado en si mismo, que no puede comunicar. Es el caso de Stéfano, que no logra su objetivo de crear una pieza de música que valga la pena y es desplazado de su trabajo. Su propio amigo le confiesa que es porque “hace la cabra” una manera de decir que desafina, y que ya no sirve para lo que hace. También la “mariposa”. La mariposa se presenta como este sueño al que Stéfano persigue, que parece escapársele constantemente. Alfonso menciona que vendieron todo, para ir atrás de la mariposa que nunca se alcanza. La fabula: Stéfano, una “promesa” de la música en su juventud italiana, viaja a América, tras el decir de unas facilidades económicas y de famas por estas tierras. Llega a la Argentina con el propósito de lograr su mayor aspiración: componer una ópera que lo convierta en una celebridad. Allí se casa con Margarita, una argentina con quien tiene tres hijos, Ñeca, Radamés y Esteban. También trae a vivir con su familia a sus padres María Rosa y Alfonso. Ya mayor, Stéfano ve como se le ha pasado la vida sin lograr ninguno de sus objetivos. Tras enterarse, por cuenta de su amigo Pastore, de que ha perdido su puesto en la orquesta porque hace "la cabra" (ya no maneja bien el aire al tocar el trombón), y frente a la incomprensión de su familia, su vida pierde sentido. Consciente de que no ha podido realizar ninguno de sus sueños de juventud, su espacio vital se estrecha, siente que ya no hay un lugar en el mundo para él, y muere; no sin antes, enfrentarse en medio de una borrachera con su familia, como un reclamo tardío por su derecho a realizar su vocación Todos lo acusan haciendo más cruel su infelicidad. Un balar de cabra en compañía de su atortolado hijo Radamés, resuena al final como signo de destrucción y muerte. Como se puede ver, es Stéfano, el protagonista, quien estructura la acción, pues con sus intervenciones la hace avanzar; los distintos movimientos o episodios de la intriga son sólo facetas de su problema.

Los personajes sufren, además de las dificultades económicas cotidianas, una falta de comunicación, y no sólo por el lenguaje que utilizan -jergas italianas y españolas del llamado “cocoliche”-, que parece aislarlos sin remedio, sino también, por la dificultad para reconocer sus diferencias ideológicas, propias de los varios ambientes e influencias en los que se han movido. Momentos en los que vemos la presencia de choques generacionales e ideologicos: Alfonso “La vita no e sólo pane. Nosotro no lo precesábamo; lo teníamo ayá. La vita no e solo pane, la vita e tambiene pache e contento”. Stéfano “lo único que te puede hacer descansar es l’ideale.. el pensamiento.. pero l’ideale es una ilusión e ninguno l’a alcanzado…” Alfonso “no! No es una ilusione. Es una ilusione para lo loco. El hombre puede ser feliche materialmente. 11

Yo era feliche. Nostro éramo feliche. Teniamo todo no faltaba nada. Tierra, familia e religione…” “…no es una ilusione, no engaña, e lo único que no engaña! E me l’ hiciste vender para hacerme correr a todo artas de la ilusione, atrás del ideale que, ahora no s’alcanza, atrás de la mareposa. M’engañaste” Grotesco CRIOLLO: el grotesco criollo es el que deriva del italiano, se diferencia por presentar lo que conocemos como caída de la mascara, que seria una especie de anagnórisis o reconocimiento, a diferencia del italiano en donde predominan las apariencias como una mascara social. Stefano es este artista fracasado, a quien la verdad lo destruye llevándolo a la muerte. Es ahí donde entendemos que se produce la caída de la mascara. La incompresion de la mujer y de sus padres incrementa la sensación de soledad. REPASO DE PRESIDENCIAS 1880-1886 ROCA (1884 ley 1420: estudio laico obligatorio y gratuito. Pais agroexportador, ferrocarriles, servicios públicos, empréstitos, inversiones inglesas) 1886-1890 JUAREZ CELLMAN (inflación, crisis, revolución del parque: unión civica radical logra la renuncia de la generación del 80 y asume Pellegrini) 1890-1892 PELLEGRINI 1892-1895 LUIS SAENZ PEÑA 1895-1898 URIBURU 1898-1904 ROCA 1904-1906 QUINTANA 1906-1910 ALCORTA (elite liberal que se diferencia de la situación en los conventillos) 1910-1914 ROQUE SAENZ PEÑA 1914-1916 VICTORINO DE LA PLAZA (ganan radicales en 1916) 1916-1921 IRIGOYEN 1922-1928 ALVEAR 1928-1930 YRIGOYEN 1930 GOLPE URIBURU

Los treinta y la crisis. Surgimiento del teatro independiente: “La fiesta del hierro”, Arlt. En los años 30 el teatro Argentino esta afirmado. Se presenta con orgullo el teatro nacional y sus logros. Cuenta con dramaturgos y actores consagrados e incluso empiezan a escribirse artículos sobre su historia. Continua el auge y también empieza la decadencia del sainete, y el cierre (al menos provisorio) del grotesco, con la decisión de Discepolo de no escribir mas. El sistema teatral esta organizado a partir de dos figuras básicas: autor y actor. El panorama espectacular abarca dramas y comedias tanto de autores extranjeros como nacionales, revista y comedia musical. En esta época aparece el gran competidor del teatro: el cine, esto se ve reflejado en la comedia “los tres berretines” que señala la perdida del lugar preponderante que tenia el teatro, siendo los tres berretines el futbol, el cine y la radio. En los 40 y 50 va a tener mucho éxito la alta comedia y la astancada, de trama elemental y recursos gruesos. Autores especializados de este genero fueron Ivo Pelay, German Zicilis y Roberto Arlt, entre otros. 12

Los actores se agrupaban en compañías y realizaban giras al interior. Se destacan entre los actores de la época (que van del cine al teatro): Roberto Casaux, Carlos Perelli, Francisco Petrone, Enrique Serrano, P y ellas: Angelina Pagano, Eva Franco, Milagros de la Vega, Gloria Ferrandiz, Rosa Rosen, Luisa Vehil, Iris Marga, Irma Cordoba, Tita merello, entre otras. Los comicos populares tuvieron una fuerte repercusión en el publico por su creatividad escénica y la facilidad que tienen para actuar drama o comedia. Enrique muiño (debuto en 1898 en la compañía de Jeronimo Podesta. Formo un dúo creativo con Alippi, destacado también en la pintura), Elias Alippi (uno de los mejores actores, grandes cualidades de bailarin de tango, debuta en 1903 con la compañía también de podestá. Fue también autor de sainetes y comedias asainetadas, muere en el 42), Pepe Arias (actuó en sainetes, comedias y obras dramáticas. Versatilidad. Se caracterizaba por monólogos originales y su tono de voz particular. Actuó también en cine), Luis Sandrini (exponente del actor popular de la vertiente del ingenuo o inocente. Comenzó su labor en el circo y mas tarde se unio a la compañía muiño-alippi. Participo del film Riachuelo que consolido a la argentina sono film como productora. En 1938 fundo con su mujer, Chela Cordero, la corporación cinematográfica con la que realizo numerosas películas. Formo parte del proyecto la Casa del Teatro), Nini Marshall (comienza en la década del 30 en la radio haciendo imitaciones. Debuta en el cine interpretando a Catita uno de sus personajes radiales. Sus personajes hablan de la Argentina que ya no es, de los inmigrantes de principio de siglo, de los provincianos deslumbrados por la capital, de la familia oligarquiza o de nuevos ricos pretendiendo parecérseles. Hizo un total de 37 peliculas, siendo la autora de la mayoría de sus diálogos. Talento para reproducir habla de diferentes sectores sociales. Por problemas políticos se exilio en Mexico en los 50. Volvio en los 60 con su carrera ya opacándose), Tita Merello (expreso los matices de su propia vida, empieza como corista en la revista porteña, después como vedette y cantante. El cine la convoco en numerosas ocasiones. El tango “arrabalera” es uno de sus emblemas. En 1937 se revela como actriz en “la fuga”. Filma todavía en los años 70 y 80). El teatro de revistas tiene una fuerte inserción en los años 30, su apogeo es en la década del 4º y 50 con sus figuras primordiales: el comico y la vedette. Se estructura en cuadros organizados alrededor de las principales figuras. En sketchs y monólogos se privilegia la referencia a la actualidad política. Aparece la comedia musical que toma elementos de la revista. El teatro independiente en 1927 inicia la agrupación Teatro Juan b Justo, en 1929 La Mosca Blanca, otro grupo fue El Tábano. De este participo Leonidas Barletta que en 1930 funda el Teatro del Pueblo. En el mismo se intentaba contituir un polo antagonico con respecto al teatro profesional local, al que se acusaba de “mercantilizar” el arte escénico y al que no le reconocían valores estéticos. Se intentaba “reinventar” los elementos del teatro a partir del rechazo de las figuras del “capocomico” y del empresario. Postularon el “espíritu grupal”, la valoración del anonimato, la producción en forma de cooperativa, y ciertas pautas de conducta de los integrantes, fundando en el voluntarismo y el rechazo a la profesionalización. La relación con el campo político se resentia especialmente con los gobiernos de facto, las clausuras y los desalojos fueron una constante en la historia del movimiento teatral independiente. Este teatro domina la primer etapa del teatro independiente, donde surge el autor mas importante del movimiento: Roberto Arlt. La segunda etapa del teatro del pueblo inicia cuando se funda La Máscara en 1939, que va a tomar otras características, principalmente la preocupación en la formación del actor. Propone una fuerte capacitación de actores y procuro formar una escuela de dirección y actuación. Estas tentativas recién tomaron forma en los 50 cuando se conoce el método de “verdad escénica” Stanislavsky a partir de Heddy Crilla. Brecht, Beckett, Adamov, Ionesco. El teatro independiente como espacio emergente de la dramaturgia de Roberto Arlt Cuando se acerco al Teatro del Pueblo ya era un narrador conocido y un periodista “estrella”, quedo atrapado por una representación de Barletta y decidio escribir una obra para el grupo. Asi se 13

estreno 300 millones, con excepción de El fabricante de fantasmas (1936), estrenado en el circuito profesional, el resto de sus textos dramáticos fueron estrenados en el Teatro del Pueblo. Arlt tenia una intención modernizadora con respecto al campo teatral y una voluntad de plantear la creación de una tradición dramática propia. Roberto Arlt, 1900-1942. Escritor, inventor, periodista especializado en policiales. Puso personajes marginales en escena como “el jorobadito” La fiesta del Hierro de 1942, se estrena en el Teatro del Pueblo. La obra se divide en tres actos. Situacion posterior a la primer guerra mundial del 38, de la guerra española del 36. Influidos directamente del expresionismo alemán, diarios toman posición política Tenemos una acción dramática contemporánea, previa a la segunda guerra mundial. Se puede ver la influencia del mundio medieval con la figura del fauno y las referencias a la Iglesia, con la presencia del presbítero. Se puede ver un contraste entre el bien y el mal dado por las figuras del angel y el fauno. Hay también una visión del analfabetismo encarnado en el personaje de Mariana, que esta joven bella casada con un multimillonario que no sabe leer. Los idiomas que sabe los aprendio de las parejas que tuvo, incluso vivio en Londres y Paris. Como figura antagonista a la de Mariana tenemos a Don carlitos, su familia se configura de otra manera (no se si es viudo o separado, tiene un hijo con otra), sabe escribir, sabe de contabilidad y esta enamorado de Mariana, su analfabetismo lo sorprende por completo. El es quien inventa la escultura monstruosa de Val Molok para homenajear el aniversario de la fabrica de cañones, decide hacer esa escultura tras los consejos del Fauno. Don Carlitos se refiere como “..He creado algo brutal, digno de la fiesta de un mercader de la muerte como el que es tu marido”. El personaje del niño julio hereda de su padre el rechazo hacia el subordinado y la violencia, denigra al mayordomo, tiene una obsecion por la palabra criado. Esto nos permite ver un problema de tipo SOCIAL. Hay un anticipo del final en una frase que dice julio citando a su padre “Nunca te fies del hombre que te lustra los zapatos o que se gana el pan cuidando tus intereses. Ese hombre en el fondo, te odia, y si pudiera, te mataria”. Mariana consigue el odio de su hijastro, quien toma fotos suyas y de Don Carlitos besándose. Le pide a su criado Ambrosio que las revele. A pesar de no querer quedar pegado tiene que aceptar. Esto demuestra la audacia del niño. El revelador, ante las fotos que ve, sabiendo que Ambrosio trabjaba para un señor de tanta importancia, llama al cura. Aca vemos una critica importante hacia la iglesia. El sacerdote, pareciera tener intereses de ascendensia en clero y de reconocimiento social. Pretende hacer algo que se vea, algo material. Se queda con las fotos y quiere poner a su servicio a la mujer de Armstrong para ganarse la plata que necesita para construir una torre en la Iglesia. Tenemos la figura de un presbítero nazi, esto se evidencia cuando dice “Tres enemigos atacan constantemente el cuerpo vivo de nuestro señor Jesucristo: los judíos, las maquinas y el libro”. El demonio lo incentiva a que le lleve las fotos a Mariana. En el acto tercero se muestra el salón con el monstruo casi terminado. Julio se mete adentro para poder escuchar sin ser visto y seguir sacando fotos para poder enterarse de mas cosas. Queda encerrado. El discurso del Sr Grurt “A los diez años de edad, mi padre, al revés de mi hijo Julio, andaba descalzo. A los quince trabajaba de peon de un herrador que le pagaba su jornal en bofetadas y puntapiés. A los diez y siete años, harto de pasarse el dia con la nariz arrimada al trasero de los caballos, instalo un tallercito mecanico. A los veinticinco años derretia bronce. A los treinta fundia su primer cañon de campaña. A los setenta moria dejando una fortuna de cien millones de águilas. Espero que dentro de poco tiempo los escasos mercados que en el continente no se han dejado persuadir por nosotros tendrán mucho gusto 14

en comprarnos. Y, hasta que llegue ese dia, debemos seguir trabajando duro, sin miedo ni a Dios ni al Diablo”. El festejo comienza cuando empiezan a quemarse corderos, comen una parte y otra parte de la sangre la tiran al monstruo. Relacion con las hecatombes griegas donde se sacrificaban toros y la sangre era para Dionisios. Vemos una diferencia entre la actitud de Ambrosio, que se muestra mas dubitativo ante la decisión de quemar vivo a Julio, sin embargo mariana se muestra convencida. En el momento en que el señor se entera de que su hijo esta siendo prendido fuego, se estalla la segunda guerra mundial, a lo que un hombre grita victoria señores ha estallado la guerra y mostrando un telegrama festeja que piden armas. Con esto terminamos de entender la fuerte critica a la industria armamentista.

Decada del 30: trescientos millones de Roberto Arlt. Para empezar a hablar de Trescientos millones, voy a tomar al texto de Piglia de su libro La Argentina en pedazos “la ficción del dinero”. Dice que para Arlt el fundamento ultimo de la sociedad es el dinero. “El dinero, podría decir Arlt, es el mejor novelista del mundo: convierte en destino la vida de los hombres”, explicando también que en sus obras el dinero aparece como causa y efecto de la ficción. Y efecto, porque ese enriquecimiento siempre postergado desencadena la historia de todo lo que se va a hacer, cuando se tenga dinero. Dice también “Estos “soñadores” son los hombres de la magia capitalista: trabajan para sacar dinero de la imaginación. El punto final de ese camino es la locura. Para Arlt la locura es la ilusión de salir de la miseria” “Se sale de la pobreza también por medio de los sueños locos y los proyectos imposibles. Quiero decir, la ficción suplanta al milagro como forma de transformación súbita”. 300 millones nace de un suceso que Arlt cubre como periodista, en el que una sirviente inmigrante trabajadora de una casa de argentinos se mata. Se estrena en el Teatro del Pueblo (dirigido por Leonidas Barletta) La obra esta estructurada formalmente en un prologo, y tres actos, de los cuales el primero esta dividido en tres cuados. En el prologo se describen los personajes y la zona astral “Zona astral donde la imaginación de los hombres fabrica con líneas de fuerzas los fantasmas que los acosan o recrean en sus sueños”, “Conciliábulo de fantasmas pueriles e ingeuos”. Puedo diferenciar 3 distintos planos en la obra: El de la zona astral, formada por personajes arquetípicos tipo los del sainete (Rocambole, es el único que rescata su condición de ser humano, ante la muerte de la sirvienta se detine ante ella en contraste con los demás que festejan, hombre cubico, reina bizantina, galan, etc..); Es el plano donde los personajes de humo se quejan de sus soñadores, refiriéndose a la sirvienta como “Esta mujer esta loca”; el plano real configurado por Sofía, la sirvienta, la patrona y el patrón, su hijo; y el plano intermedio donde se mexclan el plano astral y el real, momentos en los que la sirvienta imagina y los personajes astrales entran en acción. El plano metateatral. Vemos al dinero como motor de la acción, como aquello que le permite a la protagonista salvarse de su situación actual, e imaginar una salida. Se presenta entonces como una escapatoria a la cruel realidad. Se lo menciona reiteradas veces en la obra: Rocambole cuenta que va a decirle a la sievienta que es un hombre de negocios y ella se gano treinta millones de pesos, se corrige diciendo que son 300 millones. En el cuadro primero aparece la sirivienta valorizando el dinero de tal manera que exclama “si yo fuera rica esto no me pasaría”. Nombra a la muerte cuando dice que ni ella la querria, de tan flaca y fea que se ve, y en la conversación que matiene con la muerte la misma hace alusión a que no come jamon del diablo, algo carísimo que se le recomienda a personas débiles y le dice “¿Por qué no te buscas un viejo rico? Un viejo te daría jamon del diablo…”. En este mismo cuadro Rocambole le entrega los 300m. En el segundo cuadro de la misma escena vemos al capitán y a la sirvienta 15

viajando, donde se marcan fuertemente las diferencias sociales. El capitán le indica, en una nueva mención de los 300m, que con esa suma de dinero debería fijarse en todo, tener altas pretenciones. Tambien el galan hace referencia al dinero afirmando que ella puede decidir, porque tiene dinero. Griselda en la zona astral, quejándose de su oficio dice “debería prohibírseles soñar a los pobres”. También “se cree millonario”, entre otros. La aparición de vulcano hace referencia al trafico de personas, lo cual también incluye la nocion del dinero. En esta escena Rocambole y la sirvienta están escondididas y entran en acción en defensa de la cenicienta. Se menciona el cine “la culpa la tiene el cine..creanme” dice Griselda, haciéndolo responsable de los disparates que imaginan los seres humanos. Las escenas donde aparece lo METATEATRAL son las escenas donde ella sueña y los personajes de humo entran en acción. El galan evidencia su actuación cuando dice “Oh, entonces lo que usted pide es un procedimiento de novela alemana”. Tambien en los momentos que aceptan que no la toleran, es decir que están actuando. La siriventa cumpliría la función de directora dentro de sus sueños. De hecho le explica al galan como debería declararle su amor. En el viaje en barco con el capitán, el paisaje que imagina es igual a uno que ella vio en una revista española, “la esfera”. En el final la didascalia que describe la situación del patrón y su reacción ante su aparición nos deja que ver posiblmente el entraba a abusarse de ella. El pasaje entre el mundo real y el sueño se da por medio del plano SONORO. En el plano visual tenemos a la sirvienta siempre vestida como tal, lo cual marca una diferencia en los niveles. Mas alla de los sueños sigue dependiendo de la realidad

Inicios del cine. Grotesco italiano. Muñeca, Discepolo. Armando Discepolo escribia generalmente grotesco criollo, también escribia sainentes, pero le interesaba mas la teatralidad del grotesco. Deja de escribir teatro a finales deo 30, en los 50 funda la asosiacion de dramaturgos argentinos y dirige hasta los 72, año en el que muere. Muñeca forma parte del grotesco italiano o pirandelliano. Grotesco proviene de gruta, oscuridad. Luigi Pirandello, refuerza la idea que plantea Luigi Charelli con “La mascara y el rostro”. Plantea que la mascara es aquello con función social que uno se pone para seguir viviendo, y el rostro la realidad que vive. Pirandello plantea un teatro psicologista “uno no tiene un rostro, tiene los miles de rostros de la gente que lo mira” y era su propuesta llevar eso al teatro. Discepolo tenia o con estas ideas, de hecho hizo las primeras traducciones de Pirandello. GROTESCO CRIOLLO Stéfano Espacio: ambiente cerrado y pobre Personaje principal: italiano Añoran volver a su patria, Italia Conflicto: dinero Problema de subsistencia

GROTESCO ITALIANO O PIRANDELLIANO Muñeca Espacio cerrado pero rico Personaje: Anselmo, Argentino Añoran viajar, olvido y placer Conflicto sentimental que tiene q ver con esta mascara pirandelliana, problema intimo personal.

Comparten de alguna manera los enfrentamientos generaciones. Ambos terminan mal. Final trágico.

Los 60. Nuestro fin de semana, Cossa. 16

En los 60 conviven el realismo “Nuestro fin de semana”, su antecedente es “El puente” esos niños que jugaban ahora grandes. Lo experimental que seria el ditella y la vanguardia o teatro del absurdo, el desatino y galindez. Cossa  Periodista, dramaturgo d 1934. Nuestro fin de semana es de 1964. La estructura temporal de la obra data de una obra realista. El pasaje entre escena y escena se hace respetando el correr del tiempo real. Incluso los días se suceden de sábado a domingo. Debajo de los números de las escenas vemos “el sábado” “las cuatro de la tarde” en la escena primera, “antes de la cena, a las ocho de la noche” en la escena segunda, “después de la cena, a las once de la noche” en la escena tercera, “la madrugada, después de la una” en la cuarta, “el domingo” en la quinta a “la mañana, después de las once”, “la siesta, a las cuatro de la tarde” en la sexta, y “el crepúsculo, después de las seis” en la séptima. Personajes Elvira, la hermana de Beatriz la dueña de casa. No tiene ningún oficio y se siente vieja. El rol que juega el pasado en Elvira principalmente es fundamental. Considera el pasado como el tiempo mejor. “Murio papa y fue como si todo se derrumbara”. Extraña a sus hermanas con las que vivo con su padre, siente que sus vidas están realizadas y la suya no. Se siente sola, extraña a sus dos hermanas que considero como mejores amigas durante tanto tiempo y ahora hicieron su vida, “vos por un lado, yo por otro”. Piensa en el sueño de su padre, que era verlas juntas, y cree que si el estuviera vivo ellas estarían viviendo juntas. Reflexiona sobre la enfermedad de su papa. En un momento cree que es buena idea quedarse a vivir con ellos, le usa las cremas a Beatriz y de hecho se maquilla y peina como hace veinte años atrás.. Vuelve a recordar, los domingos en Belgrano que el padre se levantaba temprano y hacia las compras.. termina riéndose del dia que Celia se equivoco de botella y le puso vino a la ensalada en vez de vinagre, de la risa desenfrenada llega a una tos que la hace mancharse el vestido, y sale de escena. Ese dia duerme toda la tarde. Al levantarse decide volverse a su casa. Por mas maquillaje, ropa y peinado que se ponga la realidad es una, y nada tiene q ver con su pasado. “En casa siempre me pongo a mirar fotografías nuestras.. Recorro el álbum y es como si repasara mi vida”. Beatriz, la duela de casa, esposa de Raul. Tiene complicaciones para quedar embarazada, frecuenta tratamientos. Sara y Jorge son otra pareja, viven al lado. Ella no hace nada, se la pasa en casa de Beatriz mirando la televisión y el trabaja en la municipalidad y va al club a jugar a las bochas. Fernando, socio de Raul. Carlos, un amigo de raul. Bohemio, se la pasa de casa en casa arreglando cosas, sabe hacer de todo. Se esta quedando en lo de Raul. Se cree un idealista, no se decide de que trabajar ni con que mujer estar para no aburrise. “El dia que decida emplearme me voy a buscar un trabajo que paguen poco, asi tenes derecho a no hacer nada y sin ningún cargo de conciencia”. Termino la escuela secundaria e ingreso en medicina, su familia quería que fuera un profesional. La dejo, para el emplearse en una profesión significaría darle un rumbo definitivo a su vida, renunciar a su libertad. Raul, dueño de casa. Las reuniones para el son de suma importancia. Hace una semana que no habla de otra cosa, invitaría gente a su casa todos los fines de semana. Trabaja en una compañía. Quiere comprar la casa donde están, pero metio toda la plata en el negocio con Fernando. Alicia aparece mas tarde a la cena, es la esposa de Daniel, pero el no sabe a que hora va a llegar. Los sabados va a escuchar conferencias. 17

Daniel, otro amigo, vive en el centro. Apoya a Raul con su proyecto. Toma alcohol desmedidamente. Alicia y Carlos se encuentran la noche del sábado, cuando Raul y Daniel están emborrachándose en un bar, conversan, toman coñac, Carlos le cuenta de su estilo de vida y bailan, hasta que ella se va. En su segundo encuentro Carlos le cuenta que decide volver a embarcarse para Europa, ella intenta comportarse naturalmente. NEGOCIO: venden maquinas de escribir. Pidieron un préstamo para levantar un pedido bastante grande. Un amigo le prometio el dinero a Fernando. Piensan entregar las maquinas, y al dia siguiente cuando les paguen, devovler la plata. El negocio para Raul significa una salida, hace 17 años que trabaja en una compañía y la quiere dejar, no aguanta mas la rutina. Conflicto entre los personajes: Vemos una fuerte diferencia entre Carlos y Daniel en cuanto a la concepción del mundo que tienen (esto se evidencia también por el rechazo de Daniel a las conferencias de Alicia, y el interés de Carlos por las mismas). Raul y Fernando se enfrentan por un puesto de trabajo. En ese momento vemos la frustración de la clase media por no poder ascender, ese ideal de querer llegar a mas, que en Raul, se ve frustrado. Beatriz irónicamente responde “oh si una barbaridad” en respuesta a la ayuda que obtuvo de Raul. Sara se queja de que a su marido no se le puede hablar porque perdió el partido de bochas. En cuanto a las parajes también hay conflictos. Entre Raul y Beatriz vemos que Beatriz rechaza a Raul cuando el le habla de su belleza, lo nombra como un zalamero. Su buen humor se debe a que falta poco para el comienzo de la reunión, el considera que no tienen que discutir por pavadas que hoy tienen q estar todos contentos porque es un dia especial “Todos contentos y felices” canta.. Daniel también demuestra su odio a las conferencias a las que va su mujer diciendo “No se cual es el beneficio de pasarse las horas escuchcando a un idiota que habla de cosas que nadie entiende”, después lo vemos discutir del tema con su mujer. Las respuestas de las parejas en tonos ásperos son recurrentes, como cuando Raul le contesta a Beatriz que no fueron nueve, que fueron once las botellas que se tomaron. Le molesta que lo contradiga. Alicia y Daniel vuelven a discutir, a ella le parece una estupidez la anécdota de Pedrito que siempre cuenta su marido, y el se disculpa diciendo que “no conoce el humor de la gente que va a las conferencias” con ironia, ella lo trata de idiota. Los personajes tienen ciertos elementos que funcionan como evasión de la realidad, por ejemplo, Jorge, se niega a salir y se niega a beber porque al otro dia se levanta temprano para jugar a las bochas. Se la pasa en el club. Sara, se la pasa mirando la televisión. Alicia, evade la realidad a través de las conferencias, y Daniel, con la bebida (“debo tener bastante desarrollado el brazo derecho… de tanto levantar el vaso”). Recurren a temas como anécdotas, o al clima y al alcohol para intentar sobrellevar las situaciones tensas que se generan. Tambien vemos conflictos entre Sara y Jorge cuando Jorge la invita a ir a caminar un rato con sus padres, Sara termina en el llanto, a pesar de haber aceptado, se queja de que con ellos se aburre y que no es justo que le hagan un favor (los ayudan) y después se lo echen en cara. Jorge le insiste. Para Raul y Beatriz las reuniones funcionan como evasión de la realidad, antes de que todos se fueran insisiten a la gente en que se quede. PERSONAJE QUE FUNCIONA COMO RESORTE DRAMATICO Fernando porque no llega. Raul retiene a sus amigos en la casa con la idea de que esta por llegar Fernando, insiste en que se conozcan. La falta de Fernando se siente durante toda la obra, es nombrado, es alagado, y su llegada es esperada principalmente por Raul. Cuando llega tiene bastante prisa, no tiene deseos de quedarse en la reunión, viene a avisarle que “El préstamo que teníamos pesando fallo”, el amigo parece haberse arrepentido. Fernando le confiesa que no va a seguir en la sociedad porque lo ascendieron a jefe de vendedores, quería avisárselo a el antes de aceptar el puesto, pero que ya no eligen por antigüedad sino por los coeficientes de venta. Momentos en los que se nombra a Fernando y no aparece. Sara le cuenta a Beatriz que Fernando hablo para decir que no lo esperaran esa noche, que la esposa estaba enferma pero 18

que venia al dia siguiente a almorzar. Beatriz, le avisa a Raul lo que le dijo sara. Raul lo nombra en una charla de negocios que tiene con Daniel “Fernando y yo conocemos el ramo y sabemos que puede dar. Claro que la época es muy dificl”. Sara, el domingo, le comenta a raul que hablo Fernando para el, que le pidió que le abisara que no lo esperar a lamorzar, que va a venir a la tarde a eso de las seis, y que no quiso que lo llamara ni a el ni a beatriz. Raul lo nombra diciendo “Como te vas a ir temprano! A las seis viene Fernando”. Demuestra cierta preocupación al decir “Lo que no entiendo es que pudo habler pasado a Fernando”, “ah.. pero ya vas a conocer a Fernando, es un tipo extraordinario, un vendedor nato”. “Tenes que estar bien despierto para hablar con Fernando”, le dice a Daniel mientras sugiere un paseo al rio. “Si viene Fernando decile que me espere”. Cuando vuelven de la costa Raul pregunta “No vino Fernando?”, y cuando Beatriz ofrece te Raul responde “No, en todos caso cuando venga Fernando tomamos una cerveza”. Tambien lo nombra Beatriz al preguntarle a raul para que vino Fernando. El no le quiere contar, le dice que no pasa nada, que el negocio va a marchar, y empiezan a hablar de Daniel justo antes de que baje el telon.

Cuarenta al sesenta. El puente de Gorostiza. Gorostiza nace en 1923, arranca como titiritero para después escribir y dirigir. Tiene una inclinación política hacia lo radical, vivio las ideologías de Hipolito Irigoyen y la formación del partido popular radical en el 40, después del golpe de Uriburu. El puente es de 1949. Podemos decir que el puente separa los unos y los otros. Los de clase media y los de clase baja. Vemos los personajes de clase baja en la calle, organizando para ir al futbol, preocupados por la tardanza de Andresito en volver del trabajo, también la preocupación por la falta de plata de la madre de Andresito y Angelica, la novia de tilo, uno de los chicos. La calle demuestra amor puro. La familia de clase media esta ubicada en su casa Elena, la esposa del ingeniero, Rodolfo, su hermano, el padre de Helena, y tere una amiga. Vemos la oposición entonces de estas dos clases sociales a partir de los lugares en los que se encuentran, siendo la barra de los chicos quienes presionan constantemente la casa, se siente su presencia a partir de las pelotas que golpean las persianas; hay agresión del adentro hacia el afuera, desvalorización de la gente que juega en la calle, de la clase trabajadora. La calle se describe a través de comparaciones: balcones como “ojos cerrados”, ventanas “negras y cerradas”. Umbral “blanco”. Las campanas de la iglesia marcan el transcurrir del tiempo. La casa con el teléfono como símbolo de su posición social. En la calle se habla de temas cotidianos: futbol, tiempo, mujeres, trabajo, dinero. En la casa se hablan trivalidades, la importancia del dinero como constante. El lenguaje expresa fielmente la posición social. Con respecto a los personajes la barra funciona como un personaje colectivo, se ve en la colecta de plata que hacen para darle a la madre de Angelica. Tilo cuestiona la realidad, pareciera diferenciarse del resto de la barra por serio, lucido. Ñato es mas egoísta. Pichin juega situaciones humorísticas. Andresito es un personaje protagonico ausente, esta presente en la boca de los demás, lo nombran por la preocupación que les significa que no aparesca. En la casa el padre funciona como un símbolo entre los dos mundos, un verdadero puente, comenta sobre política, sobre la obra, no desprecia a los que tienen miedos sino que se apiada. Vemos su posición con su argumento sobre la escalera “Ahora hay una escalera. Cada uno tiene un escalon. Unos están debajo de todo y otros arriba, pero hay un monton de escalones llenos de gente. Y todos luchan por subir y por no bajar. El de abajo le hace cosquillas al de arriba, y el de arriba le tira patadas al de abajo” “En mis tiempos todos vivian tranquilos, salvo algunos anarquistas y otros cuantos socialistas. Los de arriba contentos, y los de abajo bueno.. al menos vivian resginados” A tere le parece una barbaridad no poder conseguir sirvienta a lo que el padre le pregunta “y usted? Trabajaría de sirvienta?” a lo que responde “yo? Porque tendría que hacerlo?” Padre: “eso es lo que ellos también han empezado a decir”. Esto es justificable con la introducción de los derechos del trabajador. En las fabricas empieza a haber aguinaldo, hay posibilidad de mejoras en las condiciones, cambia la situación del trabajador. Elena y Tere son pequeñas burguesas. Les interesa la calle en cuanto las molesta. Rodolfo responde a las mismas pautas. De Luis no se conoce mucho. 19

La madre es un personaje de penetración, ya que con ella entra la calle en la casa y genera conflictos con Elena. Del conflicto entre ambas podemos decir que la actitud de la madre es sumisa mientras que la de Elena es altanera y agresiva. La madre reacciona ante la posible perdida del trabajo de su hijo y Elena reacciona amenazándola con la posibilidad de echar a su hijo del trabajo. La posición de Gorostiza la vemos inclinada hacia el lado de los humildes. Frente a una situación pos segunda guerra mundial, donde el dolor se ve reflejado en los intelectuales, y después de las bombas (hiroyima) se vivía una situación en la que “no había servido de nada hablarse los unos a los otros”. Es un enemigo de la dictadura, y busca una Argentina de conciliación. Hay un planteo político detrás de la obra y una fuerte critica a la clase media.

El desatino, de Griselda gambaro. La palabra desatino refiere a algo disparatado. La obra es de 1965, contexto del Di Tella, contexto de experimentación. Se rompe con la estética del realismo. Decimos que es un teatro del absurdo, donde las tramas parecen carecer de significado, los diálogos son repetitivos, hay presencia de una atmosfera onírica, inversión del principio de causalidad (no hay lógica causa-efecto), rasgos de incoherencia, de lo ilógico, situaciones ambiguas e inexplicables, la caracterización de los personajes es contraria a la de nuestro fin de semana. Ionesco, Adamov y Beckett son dramaturgos del teatro del absurdo de la época del 60. En el nivel contextual esto sucede durante la presidencia de Illia. Si bien no era un gobierno de facto previamente se había vivido uno, el de Guido, y continuaría el de Ongania, se vivía un clima tenso. Lo disparatado del desatino tiene una fuerte presencia en la obra. Para ejemplificar, en el momento en que se despierta y tiene un artefacto en el pie, no hay cuestionamiento sobre como llego ahí, ni que es. El sometimiento aparece como un rasgo natural. En la escena final todos festejan por el embarazo de Lily y el muere. La imperceptibilidad de la violencia. Rompe con el vinculo estandarizado de la madre servicial y comprensiva con el hijo. Hay una fuerte relación de VICTIMA/VICTIMARIO. La victima como culpable. La madre como victimario y Alfonso como victima principalmente. La madre se acababa de agachar a agarrar algo del suelo y Alfonso le pide que fuera a buscarle la caja de herramientas y ella se niega porque no se puede agachar. El muchacho, que representa el obrero, una otredad del afuera, es la victima frente a Alfonso. Alfonso no tolera que lo traten bien, el otro le genera rechazo. Luis también como victimario de Alfonso, lo ahorca con una bufanda, le quema las pestañas, la victima pide perdón, perdón por no ser entretenido para jugar. El niño también como victima de Luis, quien lo deja encerrado sin darle de comer durante tres días. Es un caso en el que la victima muere victima, hay casos de victimas que salen de ese rol y toman el poder, no es este. Si hablamos del muchacho pensamos en que es el único personaje que ve, que busca una solución para el problema. La madre tiene un único momento de ternura hacia Luis cuando le pica una hormiga, le canta el sana sana. Le saca el sándwich que le dio a Alfonso para dárselo a Luis. Alfonso no dice nada. Las didascalias en un principio son realistas: habitación, cama con respaldo, mesa de luz, ropero, comoda con espejo y sillas.. etc, eso se rompe en el segundo acto cuando se describe el “no lugar”: la escena vacia, salvo un árbol raquítico a la izquierda y unas feísimas flores artificiales. El artefacto busca denunciar la situación. Como se ejerce violencia por un poder ilegitimo. Busca una acción transformadora en el espectador.

Los sesenta: El Di Tella. REPASO DE PRESIDENCIAS 20

1946-1951 PERON 1952-1955 PERON 1955-1955 LONARDI “ni vencedores ni vencidos”. Aramburu abre a elecciones. 1955-1958 ARAMBURU. Proscripción del P. Radicalismo se fractura. De parte del “desarrollismo” Frondizi le pide a P que su gente lo vote que el sacaría la proscripción. 1958-1962 FRONDIZI. Presionado por las fuerzas armadas, no cumple. Sus reformas no se hicieron posibles y se ve obligado a renunciar. Guido llama a elecciones. 1962-1963 GUIDO. Gana el voto blanco. 1963-1966 ILLIA. Medidas revolucionarias. Ley de genéricos (no a los lab extranjeros). Honradez. 1966-1969 ONGANIA. Golpe. Noche de los bastones largos. Cae por el Cordobazo (obreros + estudiantes en cordoba) 1970-1971 LEVINGSTON 1971-1973 LANUSSE. “Dicta blanda”. Librera la proscripción del P pero no acepta un presidente que hubiera estado en el exilio. 1973-1973 CAMPORA. Fórmula que elige P ante la situación. Triunfo de la izq. P lo obliga a renunciar porque no le gustan sus medidas. Los 60. Pasados los efectos mas gravosos de la segunda guerra mundial se instalo en el mundo una corriente de optimismo generalizado. Empiezan a experimentarse profundos cambios conectados con la modernización de la sociedad. La juventud toma un grado de autorización y legitimidad importante “Nunca hagas caso a una persona mayor de 30 años”. La Argentina en la mitad de los 50 estaba dentro de un escenario político crispado por violentos enfrentamientos derivados de la profunda escisión entre peronistas y antiperonistas. Desde Frondizi hasta la dictadura de Ongania hay inestabilidad institucional y la proscripción del P. Este espíritu innovador tuvo su expreson mas notable dentro de la universidad. Este ambiente innovador y a veces experimentalista convivia con la otra alma de los sesentas, “la cuestión peronista” la influencia de la revolución cubana. Todo esto alcanzo un punto de condensación en el 66 con el gope de Estado de Ongania, y la noche de los bastones largos, quienes no podían distinguir entre el modernismo experimentalista y las actitudes políticas específicamente orientadas al cambio revolucionario. Fue asi como estas dos corrientes “el alma Beatle” y “el alma Che Guevara” terminan por unificarse. Decimos que a partir de los 60 hay una segunda modernización, después de las vanguardias históricas previas a la segunda guerra mundial, el horror y la capacidad de hacer arte se ven imposibilitadas dando lugar a las neovanguardias (a mediados del 50 se instala la industria automotriz, después del Cordobazo. Hay fuertes movimientos sindicales y revueltas). Modernizacion de la presa grafica, el lenguaje y la tipografía, desarrollo de artes visuales “cultura pop”, imágenes de publicidad, comics, historietas. Los jóvenes como carne de cañón de las guerras después de la guerra de Vietnam en el 60 y en el 59 la revolución cubana, hay un rechazo a la carrera armamentista y la guerra fría. Como contracultura juvenil tenemos el hipismo, y el arte pop a pesar de que en los 80 termina siendo parte del mercado. Los jóvenes intentan posicionarse como sujeto político y social. En 1958 empieza a formarse el Di Tella. En 1948 muere Di Tella y se hace una exposicion de las pinturas que tenían. Contaban con mucho presupuesto. Abren una fundación e instituto con una mirada vanguardista proveniente de Nueva York, Paris y Londres. A pesar de no haber sido bien visto, principalmente por el gobierno de ongania, contaba con un publico intelectualoso. Propone otra teatralidad, busca el cruce de las disciplinas, busca experimentar con las formas, con todas las formas del arte, no le interesaba lucrar ni dejar una ideología, 21

sino experimentar el cruce de las artes. Apunta a desconocidos, intentando encontrar asi nuevos talentos, lo cual genero odio en los artistas ya reconocidos. La entrada era accesible lo cual generaba un mayor publico. Plantea un ideal de apertura, no se limitan a ningún arte o técnica. Interes en la INNOVACION y no en la tradición. La censura fue una constante. Roberto Villanueva fue el primero de sus directores, que habilito la sala para teatro en 1965 con la ayuda de Petraglia (arquitecto y actor) y la participación de Leal Rey. La primer obra que se estrena es Luthero por Jhon Obsvorne, un provocador realista que incorpora videos en escena. Petraglia hace de padre para Gambaro, ya que estrena el desatino, con la ayuda de Leal Rey en la escenografía. Dentro de la danza Graciela Martinez y Susana Zimmerman, coreógrafa. Iris Saccheri que baila e interpreta poesías. Oscar Araiz que le da importancia a lo audiovisual. Marilu Marini, actriz que baila danza contemporánea. Dentro de la música inuscisti grupo que después deriva en los Luthiers y Nacha Guevara, cantante y showmman que propone canciones contestatarias con una segunda intención política, eran éxitos asegurados. Y en el teatro convivían con la idra de teorizar la practica, ponerle teoría a lo que habían hecho interpretando y analizando las obras y las puestas en escena. No llegan a hacerlo, a pesar de ser el sueño de Villanueva. En 1966 Alfredo Rodriguez Arias musicaliza textos dando lugar a un Drácula musical, con una fuerte combinación de lenguajes de vestuario, maquillaje, etc. Es arrestrado junto con Victor Garcia, y ambos se exilian. El grupo lobo fue una comunidad que buscaba movilizar a los espectadores con desnudos, agua, etc. Esta relacionado con el “livin theatre” de Brasil. Norman Briski arranca como mimo, presenta “el mimo envuelto” en el Di Tella donde rompe con el escenario – platea. Jorge Bonino, de gran importancia en cordoba, lo ve Marilu Marini y lo invita al DiTella. Dentro de las artes visuales el happening, de Marta Minujin y Leon Ferrari. Plantean nuevas técnicas: el acrílico por ejemplo y se alinean en lo geométrico. Roberto Plate instala la reproducción de un baño publico, donde escriben con un fibron abajo ongania. Lo cierran. Desarrollo de los distintos centros: CAV (centro de artes visuales) 1963-1966. Arte en términos de internacionalismo y mercado actual. Buscan enlazar a Bs As con otros centros culturales, Nueva York, Paris y Londres, promover el arte argentino, ampliar el publico de arte que había en Buenos Aires y acercar al publico, incorporar el arte a la vida cotidiana. Como ejemplo “las partes del cuerpo” de Rivas, un desnudo con piernas abiertas con flechas marcando ironia. “Nosotros afuera” de Federico Peralta Ramos o “La civilización occidental y cristiana” de Leon Ferrari como critica a la iglesia. CEA (centro de experimentación audiovisual) a cargo de Roberto Villanueva. Tenemos a Luthero de John Obsvorne con una puesta de Petraglia. Al centro lo caracteriza la política deliberadamente NO jerarquica. Como otros ejemplos tenemos “jugamos a la bañadera” de Graciela Martinez en el 66, Dracula de Arias, y I musicisti de 1965, que deriva en Les luthiers. Los Happenings fueron la acción, aquello que esta sucediendo en el momento, “un collage de situaciones simultaneas e instantáneas que se suceden en periodos determinados de tiempo y espacio” “se trata del no sentido” decía Marta Minujin en 1980. Como ejemplos tenemos “simultaneidad en simultaneidad” del 66 de Minujin. “Minu phone” donde vemos la presencia de la minifalda, el teléfono, una cabina y la grabación. “Timon de Atenas” de Villanueva, adapatacion de timon de Shakespeare donde vemos desnudos y torsos. En1969 a partir de la escasez de dinero, el éxodo de muchos artistas del instituto como consecuencia la disminución del numero de trabajos interesantes cierra el Di Tella en el 69. Otras de las causas pueden ser la falta de financiación extranjera, presiones políticas, y la dificultad de encontrar artistas nuevos.

Eduardo Pavlovky. El señor Galindez. Pavlovky 1933-2015. Forma parte del teatro de VANGUARDIA. Era psicoanalista, vemos en la obra la subjetividad del torturador, lo cual nos lleva a relacionarlo con Gambaro 22

(principalmente en la conversasion que tiene Beto con su mujer y su hija). Pavlovky queda muy identificado con la angustia existencial que transmite el esperando a Godot de petraglia en el 57. El define su teatro como “teatro total”, no como teatro del absurdoy subraya la importancia del contexto “No es solo personal, sino propio de un social histórico determinado”. Los personajes develan cuestiones sociales, son discursos, no voces, y presenta esa “sensación confusa” propia de la vanguardia, que esta en la búsqueda sin temor a la confusión. Sr Galíndez, es del 73. En el 74 hay un atentado en el que Pavlovky es perseguido y debe exciliarse, tanto por esta obra como por “telarañas”. El despliegue de violencia recorre toda la obra. La violencia en la escenografía genera sorpresa al final de la obra (no al leerla, porque se nos anticipa). Hay un juego de IDENTIFICACION con los personajes para luego enterarse de que son torturadores y darnos cuenta de lo bestias que son, como para evidenciar que el torturador puede ser cualquiera. Presenta mas matices que Gambaro, en su caso la madre es mala y se comporta de igual manera en toda la obra). En cuantos a los tipos de torturadores que se presentan, podemos decir que hay dos, asi como también hay dos generaciones. En primer lugar tenemos la de Beto y Pepe, torturadores de OFICIO, presentan cierta vulnerabilidad, debilidad de lo que ellos creen en relación a lo que hacen, son menos pensantes, están menos formados en la teoría y mas formados en la practica. Estan muy pendientes del teléfono, de hecho consideramos que si los llamados desaparecen ellos también, ya no tienen nada que hacer. Eduardo, por otro lado, seria el torturador APRENDIZ, pero la diferencia con el, es que a pesar de arrancar desestabilizado, va a empezar a afianzarse a lo largo de la obra. Estuvo en el servicio militar del 76 al 83, es decir, lo atraviesa una convicción, una ideología determinada, creencias claras, es una generación formada. Un ejemplo de esa ideología de Eduardo se evidencia en su ultimo discurso: “Y asi, cada cual desde la suya (trinchera), debe luchar en esta guerra definitiva contra los que intenta, bajo ideologías exóticas, destruir nuestro estilo de vida, nuestro ser nacional”. La situación de beto y pepe se evidencian a través de las dudas que les genera la historia del flaco Ahumada, dudan de que la voz de Galindez sea la propia, creen que alguien se hace pasar por el, tienen miedo de que les pase lo mismo que al flaco ahumada. El funcionamiento del personaje del Sr Galindez reprensentaria la institución. El sistema que baja línea. Una jerarquía superior de la que acatan ordenes ciegamente. Ademas no puede señalárselo, no se sabe su identidad. Es el poder absoluto de una ideología. Pavlovky quería pensar la “tortura como una institución”, y eso lo demuestra a través de este personaje. Toma como normal algo que es monstruoso, como si en un caso de terrorismo de estado la sociedad lo aceptara. Vemos también la subjetividad del represor, particularmente en la charla de Beto con su familia, el teléfono como otra institución, el represor, el mas sádico, tiene una mujer y una hija, se enternece al hablar de ella. El tipo esta totalmente humanizado, pero es un torturador. La hisotria del Flaco Ahumada se cuenta para enriquecer la acción dramática, la historia afecta el desarrollo de los dos personajes hacia el final. Ademas pone en juego la dicotomía de la versión oficial, hay un corrimiento entre lo que se dice y lo que parece ser. Beto dice que el flaco le conto que Galindez le daba ordenes y a los diez minutos se las cambiaba por otras, y cuando el terminaba de laburar, lo volvia a llamar para decirle que había desobedecido, el decía haber respondido a las ordenes del segundo llamado, y galindez le decía que había llamado una sola vez. Quiso verlo a Galindez pero nunca lo recibió, a los días lo llamaron para decirle que lo querían matar y asi fue. Se mato ahorcado. Pepe creia que se había ahorcado porque la mujer lo abandono, eso se decía. Esto abre la posibilidad de lo que les puede suceder a ellos. Al final, terminan igual que el flaco Ahumada, siendo victimas del sistema, que cuando te necesita te usa y cuando no servis mas te liquida. Galidez llama para pedir que se vayan, que la situación esta complicada y no van a trabajar. Sin ordenes ellos dejan de 23

existir, por el contrario Eduardo tiene otra importancia, “una vez que haya un convencido, puede haber mas”. La evolución de la obra esta contruida sobre el personaje de Eduardo. En un principio se lo ve desorientado, inicia como aprendiz pero termina tomando la voz del Sr Galindez, existe porque tiene un discurso muy fuerte, forma parte de la institución de los convencidos de la violencia. De Sara podemos decir que es un testigo silencioso, critica a la juventud en cuanto que ellos reprensentan ideas nuevas, ideas opuestas por eso los demoniza. Representa la voz de las vecinas de barrio “Ustedes los jóvenes de ahora tienen la manía de contarse todo, hablan de las intimidades como si fuera un asunto publico. Yo siempre digo que asi pierden el encanto de las cosas. Hay cosas de las que no se debe hablar. Se pierde el romanticismo”. Ante Eduardo que cambio de opinión con las ganas q tenia de hacer pis “Esa es la onconstancia de la juventud, eso es lo que yo les critico a ustedes”.

Los setenta: Teatro político. Tucuman arde. Las vanguardias comienzan a aparecer en las artes plasicas. A finales de los 60 (1968), se da el mayor emprendimiento colectivo de los plásticos de vanguardia: Tucuman arde. Gestionado por un centro obrero argentino, la CGTA. Marco de condiciones para su gestión, - la existencia de un ámbito institucional y un espacio político en torno a la CGTA, - amistad y relación entre artistas rosarinos y porteños desde el 66, - la asistencia de rosarinos en buenos aires por estudio o para participar de alguna muestra. La CGTA junto con artistas plásticos proponen un operativo silencioso que toma el nombre de tucuman arde. La situación tucumana conmovia a la opinión publica. Se vivía un momento de crisis social causado por el cierre de los ingenios azucareros, desempleo masivo, centralización de la producción, las luchas y las organizaciones sindicales frente al cierre de los ingenios, como consecuencia la represión policial, una crisis relacionada a la política soco-economica del Onganiato. La intención principal de tucuman arde era “promover un proceso desalientante de la imagen de la realidad tucumana elaborado por los medios de comunicación de masas”. Proponian un “circuito sobreinformacional” para impactar en el publico con redundacia de información y contrasrrestar la información oficial con otra que la supere en cantidad y calidad. Para esto diseñan distintas etapas. – recopilación y estudio del material documental – confrontación y verificación de la realidad tucumana – las muestras-denuncia: montaje de medios audiovisuales y actuación de los artistas – ciere del circuito, análisis de la documentación y publicación del resultado. A esto se le suma la campaña de propaganda, que no se menciona en las etapas pero cumplio un papel fundamental. El primer viaje que hacen a Tucuman (porteños y rosarinos) es en septiembre de 1986, con el objetivo de establecer os con los dirigentes estudiantiles y sindicales y con las autoridades de las instituciones culturales y los medios de comunicación. Para esto plantean una versión de la obra que se hace publica que oculta toda intención de denuncia posible. Ya en el segundo viaje, en octubre del mismo año, la gente que viaje es prácticamente en su totalidad rosarina. Por diferencias en cuanto al carácter de resolución de la obra y por mayor peso en las decisiones de los rosarinos por haber aportado mas capital al proyecto. Hay dos zonas de actividad en simultaneo, por un lado querían intervenir en el ambiente cultural local y generar cobertura para la obra en los medios de presa y por otro lado explorar y registrar la 24

situación de la población afectada por la crisis. Seguian encubriendo sus intenciones de denuncia política. Vieron un Tucuman con mucho movimiento teatral (Festival de Opera de Camara) por abajo de lo que era una dictadura política y una situación económica explosiva. En una primera conferencia llevan a cabo el proceso de investigación a través de un modelo de encuesta para juntar datos de la composición familiar, las condiciones de trabajo, salud, educación, vivienda, alimentación, etc. Cada noche reunian el material y lo enviaban a Rosario. Con la segunda conferencia exponen la totalidad de sus inteciones. Dentro de lo que fue la campaña de difusión: una primera etapa de disfusion, pegar afiches en carteleras y paredes con la consigna “tucuman” y se proyectan diapositivas con la misma palabra intercalada en la tanda publicitaria. Una segunda etapa donde los volantes que se repartían y las frases pintadas en las paredes respondían a la consigna “tucuman arde” y una tercera que convocaba a “la primera bienal de arte de vanguardia”. Multiplican los posibles sentidos atribuibles, generan intriga. El 3 de noviembre del 68 se inagura la muestra en el local de la CGT de rosario con un publico de mas de mil personas. Ocupan el edificio, el arte se apropia de un espacio publico. Hay sobreinformación, “bombardeo” de información visual, escrita, sonora y hasta gustativa: El piso del pasillo se tapiza con carteles con los nombres de los dueños de Tucuman (o los pisabas o te corrias), grandes ampliaciones fotográficas (niños masticando caña), estadísticas acerca de los niveles de desempleo, desnutrición, analfabetismo, mortalidad infantil, etc., testimonios por autorparlantes, proyecciones de diapositivas y filmes, cada algunos minutos apagaban la luz y dejaban el edificio a oscuras para recordar q moria un niño. En argentina la muestra se inagura el 25 de noviembre pero fue levantada por la presión de funcionarios de la dictadura. Podemos llamar a tucuman arde, como teatro político. Tambien se le asignaron otros conceptos, como los de, arte de vanguardia, happening conceptual-politico, obra de acción, arte de los medios de comunicación, arte conceptual, arte revolucionario, arte total. De lo que no cabe dudas es de que la unión del arte y la politica presentan una nueva forma de hacer arte, colectiva y anónima, que propone un nuevo lenguaje, que toma conciencia de la realidad y acciona sobre la misma.

El nuevo mundo, Carlos Somigliana. Estrena en 1981. La acción transcurre en una imaginaria capital sudamericana, hacia 1815. Personajes. Lucinda: jovencita de 15 a 18 años, Marquez de Sade: 75 años, viste como un Marquez del “Acien Regjine” con peluca empolvada y todo. Encarna el sadismo (lo vemos cuando cuenta que un anciano se hiso pasar por el y se dejo desfigurar y matar a cambio de que el le otorgara unas monedas a su ñieta, confiesa sin culpa que no lo hiso, la persuade con dinero a Roberta). Aristocrata europeo. Las ideas que escribe refieren a que Dios no existe y que nada debe oponerse a la búsqueda del placer y el desenfreno de las pasiones. Y que la supresión de la pobreza se da a partir de la extinción. Roberta, atractiva mujer de unos 40 años, dueña de casa, ama de lucinda, amante del ministro Teofilo. Los tres poderes que aparecen corrompidos son: Fray Nicaso, un andrajoso fraile capuchino. Encarna la figura de la Iglesia, es expulsado de la misma por indigno y ahora pide limosna. “Tanto como des hermano, con creces te será devuelto” refiriéndose a la plata que le ofrece el marques al comisario para terminar con el asunto. 25

El comisario, que representa el deber, confiesa que de no poder revisar la habitación y no encontrar al culpable (se denuncio que alguien viejo, extranjero y con cara de crápula estaba rodeando su casa) tendrá que agarrar algún desconocido en la calle y decir que lo sorprendio robando en la cocina. Pretense simplemente salvarse. Confisca el “dinero ilegal” del marques. Ante la presencia del ministro, se espanta y acata sus ordenes. El ministro según la mirada del comisario es un hombre de hogar, una persona intachable, no puede creer que se acueste con Roberta. El ministro tiene alrededor de 40 años y una apariencia elegante y mundana. Democrata sudamericano. Sus ideas no distan mucho de las expresadas por el marques en sus libros, le reclama que si va a abominar los mandamientos de Dios igual vaya a misa, qye coka pero que exalte la santidad de la familia, que extermine a los pobres en nombre del bien estar futuro, le reclama hipocresía. “La locura es una enfermedad que solo afecta a los oposituores”, no debía preocuparse por los locos, porque simplemente desaparecían. Le ordena que ejecute sus ingeniosas evoluciones con Roberta, que el lo va a ser con Lucinda. Nadie se opone. Final feliz, todo queda callado. El distanciamiento, 1815, año en el que esta situada la obra, es un procedimiento brechtiano que permite el distanciamiento para poder hablar de lo que sucedia. Hay violencia física debajo de la cama, y con la cachetada del marques a Roberta. El teatro político según Piscator tiene como finalidad “propagar e inculcar concientemente el espíritu de clase y la lucha por el poder”, es un teatro entendido como lugar de educación política tendiente a modificar las actitudes del publico, Brecht, lo plantea como instrumento que participa activamente en el esfuerzo general de transformación de la realidad, pero desde las estructuras de comportamiento del individuo. Artaud, idea de una operación de destrucción y de reestructuración utópica de la realidad, impedimento de una contemplasion pasiva, pero en lugar del materialismo histórico, Artaud proponía como instrumento un análisis de la realidad de la ciencia del inconsciente. Es decir, según Piscator se entiende como un instrumento de practica política inmediata, Brecht lo situa en una relación mediata y dialéctica con la praxis política y Artaud apela a la “seducción”.

Ricardo Monti: Maratón. Ricardo Monti (1944) es un autor porteño de gran importancia, desarrolla su carrera en el 70, periodo del Di tella e importancia del teatro político. Es un gran poeta. Daulte, Spregelburg y Varonese, son algunos ejemplos de quienes estudiaron con el. Es peronista, opositor y cuestionador a todos los golpes de estado. Tiene una mirada critica hacia los sectores con mas poder. Es muy cuidadoso con sus textos, no estrena seguido, le cuesta entregar su material. Monica Vinau y Ana Albarado fueron las directoras que mas lo comprendieron, Jaime Cogan, Tito Bursa y Sergio Achero fueron otras figuras características de su elenco. Algunas de las características de su escritura son: universo y personalidad definidas, planteos filosóficos, gran pasión por la música barroca, crea el método de escribir a partir de imágenes (le aconseja a Pavlovky que se imagine donde quiere que su obra ocurra, y ante su respuesta “en un sotano” considera que tiene su obra prácticamente armada), carnavalización como un rasgo frecuente, posibilita la inversión, aparecen las libertades, sexo, alcohol etc. Su teatro es político, la metáfora y la parodia son recursos habituales. Toma teorías del expresionismo y brechtianas (cortes de acción, presencia de la misica). Todas sus obras son políticas y con una posición definida. Sus indicaciones facilitan las decisiones, presencia de lo musical y lo pictórico. Su mujer estrena todas sus obras, y termina a cargo de Pairo, hoy en dia están a cargo sus hijos. Hay teatro dentro del teatro, artilugios propios del mismo:bufones. Según Sagaseta, sus obras pueden dividirse en dos tipos. Donde predomina el ritual y la alegoría, “Una noche con el señor Magnus” (1970), Visita (1977), “Marathon” (1980). Y otro tipo, en el que se le da prioridad a la historia, “Historia tendenciosa de la clase media” (1971), 26

“la cortina de abalorios” (teatro abierto 1981), obra que a pesar de estar en contra de la dictadura no lo llevo al exilio, contrario a los casos de Pablovky y Gambaro, que tuvieron que exciliarse por Galindez, y “Ganarse la muerte”, novela del 79. Y “una pasión sudamericana” que fue una metáfora del poder. Marathon es de 1980 (tanto escrita como estrenada), la acción dramática se ubica en el 1932, durante la década infame. (golpe de Uriburu, presidencia de justo, en el 29 crack económico y la caída de la bolsa de Wall Street en EEUU). Presencia del GROTESCO, vemos una pista de baile lúgubre y moribunda, “como si fueran muñecas sin vida”. El grotesco se ve en el espacio, en los personajes de rasgos expresionistas, que van perdiendo el maquillaje, llenos de olor y transpiración, lo cual podemos relacionar con la edad media y los personajes que vomitaban por exceso de lo corporal, carnaval). Lo coporal también se pone aca en primer lugar. Ademas vemos la caída de la mascara, cuando el animador se cae, se quiebra y demuestra sus debilidades. “Todos suben a la tarima, rodean al animador, lo escupen, le quitan el saco, lo despintan, trata de huir pero cae, su aspecto es lamentable, queda hecho un ovillo en el suelo, en medio de convulsiones” Despues se muestra herido porque le rompieron el saco, se dice ser humano, y que tiene una fortuna de miserias. Hay relación victima – victimario al igual que en las obras de Pavlovky y Gambaro, cuando Hector denigra a Aunsion y la humilla delante de todos, diciendo que no se caso ni por su belleza, ni por su inteligencia, ni tampoco por su riqueza, sino que lo hiso para hacerle una broma. Marathon es una competencia de puro esfuerzo físico. Vemos el distanciamiento brechtiano en el hecho de no saber cual es el premio, lo cual te permite que no te sientas totalmente identificado y puedas tener una actitud mas critica. Hay una cultura de lo litúrgico, tiene interés por los rituales. Como ejemplo podemos citar la escena 14, donde el animador “se lava las manos en una palangana que el Guardaespaldas sostiene frente a el debajo de la tarima, es una larga escena en silencio”. Fuerte apariencia de la palabra muerte (considera la muerte como parte dela historia), mexcla entre la vigilia y el sueño, por ejemplo en los sueños de Ema es recurrente “no no! Esta muerto! No quiero”, parecería soñar siempre que se encuentra con su hijo muerto. Tambien la sangre se hace presente. Vespucci frecuenta las convulsiones. Lo hacen subir al escenario, esta con fiebre y todo transpirado, le agarra una tos que lo tambalea, y al segundo ataque de tos el guardaespalda es señalado por el animador y se acerca trayendo un pañuelo que después es mostrado a los espectadores, con sangre. Asunsion su mujer explica que es porque al toser se muerde la lengua. La violencia que se ejerce generalmente en el personaje del guardaespaldas, “le pega a Hector una trompada furtiva en el estomago”, sin ningún motivo en concreto. No hay intención de crear realidad, entre la escena 4 y 5 pasa un año, lo cual significaría que hace ese tiempo que están bailando. Hay extrañamiento, no salen de la habitación que pareciera ser un infierno, se autoflajelan con el baile y la consigna es no dejar de bailar. A lo largo de la obra cuentan 5 mitos que a su vez, divien la obra, responden a distintos personajes y distintos momentos históricos. El primer mito surge en la escena IV, están delimitados por apagones, uno anterior y otro posterior al mito. Data del 1500, época de conquista. Vespicci, el albañil, comienza a hablar como un conquistador, es decir que encontramos una relación con Vespuccio, primero de los que llega a america. Y también vemos relación con Pedro de Mendoza, el descubridor de America que en 1535 llega y conquistra nuestras tierras. Hay ficción dentro de ficción, el personaje de albañil encarna el de un navegante. 27

El segundo mito data del 1800, revoluciones. Tom Mix, el mas joven, el mas golpeado, el mas torturado, y el que abandona la maratón, por lo tanto podríamos decir que es el mas revolucionario, participa del mito de 1809, pre revolución de mayo, que toma la palabra como si fuera Mariano Moreno, o Castelli, grandes oradores de la revolución. Se refiere a los americanos, habla de los indios y los negros, contando asi el mito de la revolución e independencia. El tercer miro es el del terrateniente gandero, los personajes son los del hombre y la mujer, el lenguaje prioritario es el del mundo ganadero. Hay una mirada peronista, que critica a la cultura terrateniente identidicados con el sector de poder, ya que se quedaban con las tierras de los indios. Esta ubicado en el centenario, hay presencia del francés (como segundo idioma de los terratenientes) lo que demuestra que pertenecen a una clase social superior. El cuarto mito es una critica al mundo de los Estados Unidos, un cono de luz ilumina a NN, ahora industrial burgues, se nombra a FOXTROX, es un baile norteamericano, y se relaciona la industria con norteamerica. Relacion con la fiesta del hierro de Atlt. Tambien relacionan la industria con la violencia, y las armas. Industria para el mal. El quinto y ultimo mito es el facista, aparece cuando hacen un saludo nazi. “han formado un circulo cerrado, y en el centro emerge el guardaespaldas con un revolver”. El guardaespaldas como facsita. Puede ser la voz de cualquiera de las dictaduras (30, 66, 76).

Teatro abierto Respuesta metaforica de la dictadura. Actores y autores se unen sabiendo que el gobierno los estaba eliminando, con el objetivo de demostrar la existencia y vitalidad del teatro Argentino. Aparece en 1981, un teatro pobre pero rico en cuanto a mensaje. 21 autores escriben 21 obras especialmente para ese evento. Buscan generar un movimiento a partir de la unión, buscan la democratización de la cultura, y generar un cambio en la sociedad. Se organizan a partir de delegados por cada elenco de actores. Los directores cedían sus derechos al fondo común de Teatro Abierto. A pesar de hablerles incendiado el picadero, lugar donde se realizaba este teatro y el de la Rancheria en el 83, continúan en el teatro Lasalle. Despues eligen el tabaris en la calle corrientes. Intentan subsistir escondiendo la cabeza bajo el ala. Somigliana estrena su obra, explicando la situación del despotismo de america, el desprecio por los derechos de la gente, y el miedo que había de hablar de los desaparecidos. Teatro abierto tuvo su mayor importancia en 1981, y continua hasta 1986. Estimula el pensamiento critico, denunciando a través de metáforas, el publico fue de 25000 espectadores en dos meses. Lo lograron a partir del conjunto por sobre la individualidad. Su etapa mas fuerte fue del 81 al 83, en el 84 no se hace, y del 85 al 86 hay ya otro contexto.

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